The Artic Flow: December morning (Ep, 2009), Holiday Records

The Artic Flow es el proyecto musical de Brian Hancheck, músico de Carolina del Sur, quien graba y produce sus propios discos, tres Ep´s hasta la fecha y un recopilatorio de su sello en el que también aparecen temas suyos. Éste es el último de ellos, un precioso Ep de cuatro temas que se encuadran a la perfección en todo este movimiento que supone el resurgir del Shoegaze en estos últimos tiempos. Melodías perfectas, guitarras distorsionadas y con infinidad de efectos, y un claro sentido del medio tiempo tirando a realizar canciones algo "arrastradas", algo lánguidas pero con la suficiente energía y lirismo que hacen que resulten interesantes. Las influencias son muy claras: Cocteau Twins, Slowdive, Chapterhouse, Ride... los clásicos del género cuando de Shoegaze hablamos. El tema que mejor resumiría su sonido en el disco sería Sentiments and artefacts, preciosa canción que evoca sentimientos perdidos en medio de una nebulosa de guitarras -he leído que grabó hasta siete pistas de guitarras-, pero que en ningún momento resultan axfisiantes ni empalagosas. December morning es algo más sucia y guitarrera pero conserva el patrón de belleza general del disco. Algo semejante podríamos decir de los dos temas restantes: The stars refuse to shine y Hearts in flight, canciones en las que las guitarras con efectos son las protagonistas absolutas. Cuatro buenos temas que a cualquier buen aficionado seguro que le resultarán cortos. Esperemos que su producción se reúna brevemente en un larga duración. Buen disco.
"We’re fascinated by the various reactions of those artists who pioneered the “shoegaze” sound in the 80’s and 90’s. While they seem split, we have a firm belief. Great songwriting makes for brilliant music, regardless of the genre. While the effects pedals or the production of the song may exactly replicate the sound of a band you’ve heard before, it’s the assemblage of notes that makes any song stand out.
Which brings us to The Arctic Flow. Songs veer from ethereal beauty to pop delicacies while maintaining an dream-like quality (watch us deftly avoiding adjectives like; icy, chilling, etc….) that leaves you with a disconcerted smile…..just the way we like it.
Brian Hancheck is the one-man show behind this avalanche (oh crap, we did it anyway didn’t we….) of sound (...)
TDOA: Can you talk about the challenges of this being a solo project? Do you enjoy being able to control all the parts or do you occasionally wish for outside contributions by adding people to the project?
AF: I guess the biggest challenge is when time is a factor, trying to get everything recorded in such a short time can be crazy. In the past when I used to play with other bands, the challenge was communicating my ideas to others. It’s much easier for me now and it just works. I know it doesn’t work for everyone, but I can’t see it any other way.
On the other hand, I have a couple of projects that I am collaborating on with some other artists, but it’s mostly just a one time thing.
I do wish I had someone to help me on vocals sometimes. You know, someone to sort of coach me along. But, yeah, I enjoy being able to do this on my own. It suites my personality really well. TDOA: It’s easy for writers to make the ’shoegaze’ association, but the shoegaze movement had a lot of different types of bands. Can you talk about the bands that have influenced you the most?

AF: Well, I knew the shoegaze thing would come up. Strange enough there seem to be two schools of Arctic Flow fans, the ones that like the more shoegazy things, like “Sentiments and Artifacts” and ones that like “Untill December”-they’re just pop songs, but with different production. “Until December” which was on the Holiday Records Pop Music Compilation Volume 2, is more Smith’s like guitar pop, without all the haze. So now it’s like having two styles, but I enjoy it. It’s just the way the songs come out. The next release is going to more guitar pop, than the last EP was.
But to answer your question, and I could fill a book, but obviously The Cocteau Twins and Slowdive are two huge influences. The Cure is my favorite band ever, even though I don’t really sound like The Cure. But The Smiths, Map, Chapterhouse, My Bloody Valentine, Ride, Starflyer 59, The Beach Boys, and recently Horseshoes and Victory VIII, have been great influences" (thedumbingofamerica.net)
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Descarga gratuita/Free download (reverbnation.com)

Oír/Hear-December morning

The King Khan & BBQ Show: Invisible girl (2009), In the Red Records

The King Khan & BBQ Show: Invisible girl (2009), In the Red Records

El dúo canadiense The King Khan & BBQ Show resulta de la unión de dos antiguos colegas de banda: Mark Sultan, alias BBQ y Blacksnake, alias King Khan, antiguos miembros de The Spaceshits. Tras la ruptura del grupo, sobreviene la reunión de la pareja y formar este dúo rompedor, que edita ya su tercer larga duración: Invisible girl (In the Red, 2009). Su formato no puede ser más simple: dos tipos en directo interpretando a todo trapo sus temas demoledores, acompañados de guitarras, baterías rudimentarias, panderetas y una energía desbordante. El sonido del disco es el mismo que ha ido acompañando al dúo desde 2002: ingeniosa mezcla de Garaje, Noise, Doo-Woop, Rock cincuentero, Rockabilly, y Soul (Mark Sultan tiene unos registros vocales que en ocasiones nos lo asimilan a gentes como Sam Cook o Big Booper, y ello se refleja en los temas con dejes Soul); si bien la onda más palpable en todo el disco es la del Garage, y es ahí donde encontramos las huellas índelebles de The Sonics, 13th Floor Elevators, Sam the Sham and The Faraons, Stooges, o si queremos irnos a tiempos más cercanos a la Jon Spencer Blues Explosion, con quienes comparten un concepto sonoro más que cercano. Para este último disco, el sonido de algunos temas se ha edulcorado algo, acercándoles a algo así como un Garage-Pop. El sonido del dúo, sin ofrecernos nada absolutamente nuevo, sí que toma de aquí y de allá una serie de elementos por todos conocidos para darles una dimensión un tanto actualizada y desconocida, enérgica y absolutamente arrebatadora. Como decíamos, sus actuaciones en directo parece que son igual de electrizantes que su sonido, y pese a presentarse sólo dos tipos en escena, sus directos merecen la pena. Para conmemorar la salida de su disco, se han embarcado por una extensa gira norteamericana, que seguro que extenderán a Europa, pues Mark Sultan reside con frecuencia en Alemania.
"It's easy to become taken in by opener "Anala", what with Khan's ooh-mow-mows and Sultan's surprisingly sweet croon. The somewhat curious but nevertheless successful title track comes next; eschewing the chug'n'thwomp for which they're both noted in favor of a straightahead shimmer that suggests both the Byrds and the La's, it's a lovingly crafted tune and perhaps a hint at a new direction, only slightly out of step with the other material here. From there, it's throwback time, as Khan and Sultan navigate the divide between Little Anthony and the Seeds. Throughout, it's Sultan's voice that stands out-- particularly on the slow-burning, "Still of the Night"-like "Third Ave."-- among everything, sweet and shape-shifting next to Khan's gruntier style. The Sultan-led tunes tend to be less aggressive than Khan's, which is odd; not for Sultan, who handles himself admirably as a singer and player throughout Invisible Girl, but for Khan, whose does best when he's got a little more space to work with. Among the sharp shocks of "Truth or Dare" or "Lonely Boy", he sounds perfunctory, rushed.
Something you might say about even the best stuff on Invisible Girl. Khan and Sultan move between the trappings of doo-wop to skid rock so fitfully it's easy to miss that some of these tunes aren't all there lyrically. Once the guffaws stop, it can get a little predictable; "Spin the Bottle" contains the phrase "I'm in love with you/ You're in love with me", and just guess what the central line in "I'll Be Loving You" (not two songs later) turns out to be. They're indebted to a period in music that was by and large not its most fertile poetically, but for all their reverence, they're obviously irreverent cats; remember "Tastebuds"? It's just too bad, for every "Animal Party" or ill-fated game of "Spin the Bottle" and well-placed anatomical guffaw there's one too many tunes that just go through the motions, and old ones at that. Still, the tunes on Invisible Girl work, because Khan and Sultan's love of the music they're ripping off is obvious and infectious, and because they've got a knack for capturing the feel of the records they're taking cues from most throwbacks can't quite muster. Sam the Sham would be proud; that is, if he's cool with dick jokes" (pitchfork.com)
"Now, I could tell you about Mark Sultan, I mean, BBQ's past in bands like Les Sexareenos or The Spaceshits. I could tell you about King Khan's pseudo-celebrity in Europe, or his own past in The Spaceshits, or his solo work. But you probably wouldn't give a shit. So let's talk about the real nitty gritty - The King Khan & BBQ Show. First, I must say that these guys are fuckin blood brothers, man. Real tight. They always maintained that they would lay waste to this miserable world. And so they began in 2002. BBQ visiting my man King Khan, and jamming out their black magick in his Nazi-bunker rehearsal space. Songs flowed endlessly like blood from a cancerous abcess. They took it easy, honing their craft, playing sporadically to crowds outraged by their incredible sound and nasty live show. Orgiastic, anarchic, hypnotic and personal are the shows to this day. I've seen the blow-jobs and blood, the pick-ups and puke, the dancing and the laughing. Two guys. One smashing snare, bass drum and tambourine with his bare feet, molesting his guitar and singing like a possessed angel. The other spinning and howling like a freak while belting it out on his guitar like a real gone savage. What does it all sound like? It sounds like five men. People throw the typical suspects into their descriptions as a defense against the real sound: The Velvet Underground, 13th Floor Elevators, Black Flag, The Falcons, Sam Cooke, The Users, The Sonics, The Cramps, Bo, Jerry Lee, The Gonn... Their sound is all of this and more, but all of their own. The show? A mess. Love songs, punkers, improvised riot-starters, dance-floor shakers, sing-along stompers, wild rockers - you name it. They always drench the crowd in raw energy, and they're always the last ones dancing and drinking at the bar. They've toured the US, Europe and South America. They are international antiheroes and ambassadors. After a sold-out 7-week tour of the USA this past autumn, championed heavily by the American media, The King Khan & BBQ Show are ready to conquer Australia, Israel and Europe to make clear what so many music fanatics already know - they are easily one of the top, most highly regarded rock'n'roll bands in the world. They are coming to support Los Angeles' In The Red Records reissue of their 'classic, mind-blowing' debut album, originally released in 2005, as well as a new, instantly sold-out EP on the highly revered Crypt Records. The band is at the top of their game, covered by bands like The Black Lips and Jon Spencer's Heavy Trash and cited as 'one of the best live shows in the world' right now. They are an awesomely surreal site to behold; a stunning garage rock machine of the highest calibre, playing incredible original hits that never end. From youngsters to oldsters alike, their crowds sing along incessantly and let their freak-flags fly in joyous solidarity when The King Khan & BBQ Show hit the stage, clamouring like entranced dervishes to be a part of a growing phenomenon. Give into their spell and live forever" (Nota de su MySpace)

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Cómpralo/Get it

Sergeant: Counting down the days (from Sergeant, 2009, Shy Recordings)

Otis Redding: Live at The Monterey International Pop Festival

Extracto de la actuación de una de las mejores voces del Soul, el gran Otis Redding, acompañado de sus inseparables Booker T. and The MG´s. Interpretan I´ve been loving you too long, Satisfaction y Try a little tenderness. Como veréis, el carisma de Otis era impresionante, de su forma de actuar y de cantar no hace falta ni hablar. Grande entre los grandes.

Monterey International Pop Festival, Part-5/9

Con la quinta entrega de la retrospectiva al Festival de Monterrey nos encontramos con otro de los platos fuertes del evento: la actuación de los entonces emergentes Jefferson Airplane y la del gran Ottis Redding, con su banda de acompañamiento, Booker T. & The MG´S. Las diferencias de estilo eran evidentes, pero ése era uno de los objetivos que perseguía el festival: la multiculturalidad, ese concepto que hoy en día está tan reivindicado. Hasta tal punto llegó el tema que otro de los artistas invitados al evento fue el maestro del Sitar Rhavi Shankar. Pero lo importante del post de hoy son las actuaciones de Jefferson Airplane, quienes habían editado en febrero de ese mismo año 1967 su segundo álbum, y acaso el mejor: Surrealistic Pillow (1967, RCA):
"Publicado en febrero de 1967, el álbum entró en el ranking de Billboard el 25 de marzo y permaneció allí durante más de un año, llegando hasta el puesto Nº 3. Junto a "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "Forever Changes" de Love, se lo considera, en general, como uno de los álbumes seminales del "Verano del Amor". El nombre de Pastilla Surrealista fue sugerido por el "productor misterioso" del álbum, Jerry Garcia, cuando mencionó que, en su totalidad, el álbum suena "como una pastilla surrealista" Si bien la RCA (la discográfica) no reconoce a Garcia como un contribuidor considerable al álbum como para acreditarlo como "productor", aparece acreditado en el álbum como "asesor espiritual".
Además de poseer dos de los temas más populares de la banda, "White Rabbit" y "somebody to love" -de autoría de Grace Slick-, el álbum contiene "My Best Friend" dirigida al ex-baterista Skip Spencer, "Plastic Fantastic Lover" y la acústica balada compuesta en conjunto entre Kartner y Balin, "Today". Un recordatorio de su primera etapa como músicos folk fue la instrumental "Embryonic Journey" que hace referencia a maestros contemporáneos de la guitarra acústica tales como John Fahey quién ayudó a establecerlo como un género popular. Otro ejemplo es el guitarrista Leo Kottke.
El primer sencillo del álbum, "My Best Friend" no alcanzó buenas posiciones, pero los dos siguientes catapultarían prominentemente a la banda. Ambos "somebody to love" y "White Rabbit" se convirtieron en grandes éxitos en EE.UU. alcanzando los puestos #5 y #8 respectivamente, y a finales de 1967, Jefferson Airplane se convertiría en uno de los grupos más populares, tanto nacional como internacionalmente.
Esta fase de la carrera de la banda llegó a su punto máximo con su famosa actuación en el Monterey Pop Festival en junio de 1967. Monterrey mostró varias de las principales bandas de las "escenas" musicales de Nueva York, San Francisco, Los Ángeles y el Reino Unido, y resultando en una cobertura nacional (e internacional) en televisión y el cine, esto permitio la exposición de grupos que anteriormente habían tenido fama sólo regionalmente. Dos canciones de la banda fueron incluidos en la película de Pennebaker que documentó el evento" (wikipedia.org)
Por otro lado está la actuación de Ottis Redding, quien por primera vez actuaba en un escenario de tan grandes dimensiones y delante de una audiencia tan enorme y predominantemente blanca. Poco después moriría en un accidente de avión.
"Monterey was the first time that soul star Otis Redding performed in front of a large and predominantly white audience in his home country. Redding, backed in his performance by Booker T. & The MG's, was included on the bill through the efforts of promoter Jerry Wexler, who saw the festival as an opportunity to advance Redding's career. Redding's show included his single "Respect" (which had become an even bigger hit for Aretha Franklin just weeks earlier). Although the festival finally gave Redding mainstream attention, it would be one of his last major performances. He died 6 months later in a plane crash at the age of 26" (wikipedia.org)

Disc 5 (Saturday Night 17.06.1967)

JEFFERSON AIRPLANE
1. Somebody To Love
2. The Other Side Of This Life
3. White Rabbit
4. High Flying Bird
5. Today
6. She Has Funny Cars
7. Young Girl Sunday Blues
8. Ballad Of You, Me and Pooneil

BOOKER T AND THE MG’S
9. Booker-Loo
10. Hip Hug-Her
11. Philly Dog w/The Mar-Keys

OTIS REDDING
12. Shake
13. Respect
14. I’ve Been Loving You Too Long
15. Satisfaction
16. Try A Little Tenderness
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Sergeant: Sergeant (2009), Shy Recordings

Alabados por muchos críticos y vapuleados por otros tantos, el cuarteto de Escocia Sergeant se presenta de forma honesta, y tras haberse pateado los escenarios, entre otros teloneando a Oasis -o lo que quede de ellos-, con su Jangle-Pop de siempre, casi sin hacer ruido pero alegrando los oídos de muchos -como nosotros- a los que se nos hace la boca agua con este tipo de maná sonoro que representan las guitarras Jangle, los riffs y las voces armoniosas y cuasi angelicales. Todo ello hablando de forma desprejuiciada de sentimientos de forma sencilla y honesta, algo así a lo que han hecho Teenage Fanclub durante su ya dilatada carrera. Como decíamos, hemos leído críticas tanto positivas, como las de NME, que los considera como la mejor banda surgida de Escocia en los últimos tiempos; como otras más voraces, que los acusan de ser meros plagiadores de sonidos de antaño (Tha La´s, The Coral, The View, Stones and Roses...) además de relacionarles con Alan McGee, denostado parece ser para algunos críticos, y que los ha alabado al igual que hizo con Attic Lights, a quienes les produjo el disco. Bien, hay que quedarse en un término medio. Como concebimos la música es como un continuo ciclo de influencias que continuamente se van re-tomando y actualizando, así que acusar a alguien de forma descarada de plagiadores es algo que hay que analizar con cierto cuidado. Personalmente, considero que Sergeant es una buena banda, que bebe del sonido de gentes como las que hemos citado anteriormente, en especial del sonido de The La´s, Jangle-Pop cristalino y efervescente mezclado con melodías de auténtico caramelo. ¿Pero es que acaso The La´s no se habían inspirado en The Smiths? ¿Y éstos a su vez del sonido del Power-Pop y de la Nueva Ola? Volvernos a plantear la cuestión sería algo absurdo. Disfrutemos, pues, del maravilloso primer álbum de Sergeant, monumento al mejor Pop, desenfadado, vitalista y enérgico. Señalar alguna canción como destacada no es tarea fácil, pues el término medio del disco es de notable alto. Ocurre algo así como con el álbum de debut de The La´s, donde aparecía There she goes como el gran tema, pero es que el resto del álbum era absolutamente sobresaliente, y prácticamente cualquier tema hubiera podido ser single: Sunshine, Swiftly does it, Counting down the days, K-OK, Away with the fairies -que sería el There she goes de Sergeant, mezcla de Jangle-Pop con ciertas melodías de Pavement-, She loves it, What if I never tried... Con el debut de Sergeant, ocurre lo mismo, cualquiera de los ocho primeros temas podría servir como single o como banda sonora de cualquiera de nuestras ajetreadas vidas. Buen disco y buena recomendación para el fin de semana. A disfrutar de ambos!!

"Cascading guitar riffs, gurny vocals, eternally obedient melodies and a tempo that veers from mid-paced to – ooh – a bit faster. All Sergeant are is a second-rate Dodgy; a laughable ’s hiding behind a hail of beige bullets marked ‘dad-rock’ aimed at people for whom blind acceptance counts as a worthy trait. Their meat and potatoes skiffle is probably OK when you’ve had a couple of lines of Steve Cradock’s dandruff, but for anyone who likes a bit of verve it’s about as appealing as trimming your grandad’s nasal hair"(nme.com)
"A four-piece from Glenrothes, Scotland, Sergeant are about to release a debut single – K-Ok – that, in three minutes, manages to connect with everything that is inspiring and uplifting about great pop. Like a lot of great pop, too, it has a lyric that expresses sentiments (here, a swipe at a wannabe hipster) that yank the song in another direction. The band’s music recalls very early Beatles, Aztec Camera, Teenage Fanclub and Oasis, and there is plenty more where that single came from: I Love It Here, It All Comes Back to Me and Sunshine point to a stunning first album (due this autumn), while the singer Nick Mercer has one of those voices that can turn the simplest melody into indie heartache"(timesonline.com)
"Unlike Jol, the four-piece recently hailed by NME as ‘the best new band in Scotland’ have high hopes for the future and after their brief but enjoyable set at the newly refurbished Peter Street venue (do we really need another neon-lit sports bar?) they showed just why.
Mixing sweeping, chiming melodies with bittersweet, wistful lyrics – Sergeant could quite easily take over fellow Scots The View’s mantle in 2008.
Clearly indebted to the music of The La's, The Stone Roses and, at times, The Coral – the band’s sugary sweet ditties were tight and impressively evolved.
And in cherubic, fresh-faced frontman in Nick Mercer, Sergeant has an indie matinee pin-up for girls all over the nation to swoon and coo over.
Whether there is room in a marketplace currently saturated with sun-soaked indie-pop acts in a mute point, but if there is - the charming Sergeant will surely waltz right on in and fill the gap" (manchestereveningnews.com)
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Sergeantmusic.co.uk

Cómpralo/Get it

Universo MySpace: Free-State

Lo bueno de tener un espacio en internet es la facilidad de intercomunicación que existe hoy en día con cualquier persona que tenga una mínima inquietud cultural o musical. Está al alcance de un sencillo click que podamos degustar online los temas de una banda que recién comienza o de un músico ya establecido. Podemos visualizar su imagen pinchando en su sección de Fotos o comprobar si tiene algún vídeo. ¿Os acordáis de los tiempos de Radio·3 cuando todos nosotros grabábamos cassettes? Una de las herramientas que ha contribuido a todo este cambio es MySpace, un portal absolutamente vital para cualquier banda que comience o que ya esté establecida. La forma más sencilla y barata de mantener un espacio abierto a cualquier internauta de cualquier lugar del planeta. Y si además se tiene un espacio como The JangleBox, donde gustamos de deleitarnos en oír y saborear más o menos detenidamente cada plato musical que os presentamos, pues el resultado es esta sección que hoy comenzamos y que intentaremos mantener actualizada cada mes con vuestras aportaciones, que dicho sea de paso, cada día son más. Lógicamente, pretendemos que éstas sean cada día más numerosas, y aprovecho para abrir el espacio a cualquier grupo/artista que esté interesado en que su música aparezca por nuestro blog. La línea editorial de The JangleBox ya sabéis cuál es, sólo echándole un vistazo a los posts diarios os hacéis una idea. Podéis mandar vuestras links o colaboraciones a este correo: john.riley2@hotmail.com (que es el mismo que aparece en la columna de la derecha del Blog)
Toda esta parrafada viene a colación de presentar este Universo MySpace, donde intentaremos descubrir bandas que tengan algo que decirnos a nosotros y a todos vosotros. Oficialmente la inauguramos hoy con esta banda británica llamada Free-State (con guión para no confundirnos con otra banda australiana de mismo nombre). El combo lleva desde 2007 luchando por hacerse con un pequeño hueco en la escena musical británica pateándose de gira en gira numerosos escenarios. Tienen abiertas una serie de páginas MySpace por diversos países europeos y os diré que navegan sutilmente entre sonidos más o menos indies pero con cierta tendencia a acercarse al Rock-Adulto en forma de baladas y medios tiempos que sinceramente no creo que sea el material más adecuado para su repertorio. Si por algo los hemos traído aquí (además de su gentil invitación a oírlos y comentarlos) es porque en su MySpace aparecen tres temas que son absolutamente recomendables y que sí merecen la pena aparecer en cualquier single cualquier día de estos. De hecho la banda ya está finalizando sus primeras grabaciones. The Dream es el título de uno de estos temas que nos han gustado: Gran canción que destila influencia de The Charlatans por todos sus poros, hábilmente combinada por unas frases y un solo de guitarra ejecutada de forma precisa. El sonido que aparece en su MySpace es el de una maqueta, y éso le añade un componente de energía y rotundidad que nos ha sorprendido gratamente. El otro gran tema que aparece en la colección es I want you, otra maqueta aún más cruda que la anterior, y otro tema de tendencia más rockista y enérgica, de nuevo con otros teclados la mar de resultones y un trabajo de guitarra más que competente. Para acabar, Sunshine valley es otra canción que combina la frescura de la Americana con el Pop más británico. Insisto en que si ésta es la corriente que van a seguir sus trabajos, les auguramos un futuro al menos prometedor. Sinceramente, la tendencia de los medios tiempos y las baladas tienen más cabida en gentes como Coldplay, y éso ya está más que trillado.
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Amusement Parks on Fire: Una entrevista/An interview

AN IRISH INTERVIEW IN BERLIN
Please note that the influences stated were merely a list of the last bands we'd just seen, in order... And also, one of us missed that plane!
By Aoife Barry
Amusement Parks on Fire is an English band that was formed in 2004, when a then 20 year old Michael (Mike) Feerick started a solo project that was influenced by a love of prog and a teenage interest in noise and grunge. After releasing a self-titled solo debut album on INVADA Records ( run by Geoff Barrow of Portishead) he went on to form a full band so he could start touring. Since then they've released another album, 'Out of the Angeles', three EPs and are working on their third album. And as Aoife Barry found out when talking to Mike and bass player Dan Knowles, they're not too keen on being lumped in with the shoegazer scene.
Interviewing a band when they're trying to find the right tram to get in Prenzlauer Berg in Berlin to ensure they get to the airport on time, while they swig from a bottle of Ros? and recount their recent jaunt backstage at a Radiohead gig, should sound like the stuff of Spinal Tap nightmares. But in the case of Amusement Parks on Fire, the genuine enthusiasm and humour of members Dan and Mike makes for an unusual but unforgettable interviewing experience.
As they make their way out of their apartment to try to find a tram, Mike talks about the recent Radiohead concert which they attended on the night of his birthday, two days before. But next up for Amusement Parks on Fire is the slightly less A-list tour of their own, where along the way they'll be playing Whelan's. It turns out the gigs are a way of getting them out of the rehearsal room and onto the stage, as they've been holed away writing their new album for the past number of months.
"We kind of based [the tour] around the Dublin gig ? we wanted to play abroad, we wanted to play Dublin," explains Mike. "We've been writing for a long time for the new album, so we wanted to do a show just for fun, and do a really good show and just have some fun and just kind of I dunno...what's the phrase, dust ourselves off a bit!" he laughs.
So what can people expect from the gig? "Whelan's is basically the biggest show we're doing on the tour," says Mike. "We just wanted to do it for fun. We're practising a lot and doing a lot of stuff for the new album - we're also really enjoying playing some old songs from our first album which we haven't played for years. So Whelan's should be kind of big, a big show."
He passes the phone to Dan as he attempts to negotiate the direction they should be headed in. Dan elaborates on whether they'll be road-testing some of the new tracks during the tour. "We're thinking maybe half of them new ? we don't want to take the piss, but we want to get some new tracks on there," he says. "Maybe sneak a few in and see how people respond." So how is the making of the new album going? "On the last album...we went with longer tracks and now we're going with shorter ones!" he laughs. "It's very similar ? it sounds kind of similar, it's just maybe half the length for each song. I think we always intended to make 'Out of the Angeles' a pop album, but it sort of grew and they got long, so the new one's gonna be like two/three minute[long] songs hopefully."
The phone's passed back to Mike. "The new stuff's very different," he says, at odds to what his bandmate has just said. "I suppose it's a bit more pop-y, it's kind of a bit more classic sounding ...It was kind of annoying that everyone considered us a shoegazer band...we're not really...I don't really like that sort of music. I guess the new stuff's a bit more live...we've got Ken Thomas producing it, he did the Sigur Ros albums. So he's producing it and it's sounding very different. It's pretty classic sounding and pretty basic."
So who would the band be influenced by? "Radiohead are a big influence, My Bloody Valentine are obviously a big influence ? they weren't initially, when I made the first album they weren't, but now they are a big influence," says Mike. "Neil Young is my hero, he's incredible, his guitar work is incredible. So I guess like Neil Young, Radiohead, Nirvana...I was a massive Pink Floyd fan."
Amusement Parks on Fire are frequently referred to as a shoegazer band, but it seems, from what Mike and Dan say, that this couldn't be further from their intention.
Dan takes up the explanation: "I think people can take it on their own terms. People will always try to define things in ways they understand. So we had a guy come up to us after a gig before and tell us he loved us and we reminded him of the Lost Prophets. We are the least like Lost Prophets band we know! But he likes it, so that was good you know? Whatever terms people like to describe it on, they're just using their own frames of reference and whatever memories they've got to try and make some sense of what we're doing at any given time. So that's fine, you know? If people like it, they like it, and if they don't they don't."
But why the distaste for the shoegazer tag? "I think the reason why the shoegazing thing is annoying is because most shoegazing bands were f*cking bad!" laughs Dan. "They were really bad you know! I mean genuinely, My Bloody Valentine were incredible but I like a lot of the American bands ? I think we're more interested in the American bands that maybe influenced them, or shared some kind of love, like Dinosaur Jr, and Sugar and Bob Mould's stuff, Husker Du...the kind of melody with the fierce guitars."
Mike elaborates: "People think we're some weird, avant garde shoegaze band, but we're really not, we just enjoy playing music. The new album sounds a bit like Neil Young...really kind of stripped bare, that kind of way." This statement will come as a shock to anyone familiar with the band's material, but it looks as though the gig in Whelan's will be a good opportunity to see how their sound has developed, as Mike explains, just seconds before they board the tram that will take them on the first leg of their trip back home. "I guess in Dublin we're just looking to do a really kind of straight down the line set, all the stuff we've wanted to do. We love playing in Dublin, Dublin's always been lovely to us ? we're kind of excited really." (amusementparksonfire.com

Amusement Parks on Fire: Young Fight (Ep, 2009), Pavillion of the Dead

Dotados de las mejores armas de las que una banda shoegazer puede hacerse, Amusement Parks on Fire ha editado este otoño un Ep preludio de su tercer larga duración, que se supone que se editará en Febrero de 2010. El Ep se llama Young fight (Pavillion of the Dead, 2009), y se compone de tres nuevas versiones de temas de Ep´s anteriores, y dos canciones nuevas. Intensidad, rabia no contenida y centenares de kilovatios altamente distorsionados hacen de este Ep un plato más que apetecible para cualquier buen degustador de sonidos shoegazers. Ésto es especialmente palpable en los dos primeros temas: In your eyes, Motown ritual, grandes composiciones que no tienen nada que envidiar a lo mejor del género representado en la época más florida de Ride (Motown ritual tiene un final que es una auténtica sinfonía al Noise más controlado); y en la parte intermedia del último, Of the collapsing light/Alafoss exit, largo tema en la que se mezclan las dos tendencias del disco: la más Shoegaze/Noise y la más Shoegaze/Ambient, que es por donde se mueven los sonidos de los dos temas restantes del disco: The day is snowed y Young fight. La banda de Michael Feerick, aunque no inventa nada nuevo sí que reinterpreta a su manera las reglas de un género musical al que contribuye a expandir. Disco altamente recomendado para los amantes del género, que en este año 2009 hemos estado de enhorabuena al ser muchos y muy variados los exponentes con los que nos hemos ido encontrando a lo largo del curso musical.
"As a disciple of the teaching that all things connected with Kevin Shields were gold-plated, rose-crested spots of honey-dripped sounds that descended straight outta heaven rather than NG3, Mike Feerick set himself a seemingly unachievable mission.
From the confines of his bedroom, his ambition was to create a piece of timeless, genre redefining multi-layered genius that would be talked about for years to come. What he actually achieved was not the inaugural idea of a lone piece, but instead nine adventures in sound that merely wipes the floor with every seismic pretender who’s ever tried to work out the lyrics to ‘Soon’ and recreate every chord sequence found on ‘Isn’t Anything’.
And let us not forget the fact that Mike Feerick, aka Amusement Parks On Fire, was just 16 years old when he started writing, playing every instrument on and recording this album, a feat that surely falls somewhere in between the guises of astonishing'_ and 'remarkable'_. Now three years down the line, his masterpiece is complete, oh yes. As with the live shows, Feerick has called upon various associates from within the Nottingham music scene to fill in the cracks so to speak, but largely this record is down to him, and him alone.
For anyone who’s seen APOF live, this record mainly consists of the key elements of those sporadic, indefinably LOUD performances, interspersed with a couple of almost classical interludes that reinforce the genius-in-a-bottle waiting to be unleashed (...)
No doubt there will be the odd cynic who will claim to have heard this type of record done before, and to a degree they may have a point, but I doubt anyone’s ears can claim to have received such a melange that is equal measures sonic battery and aural beauty as ‘Amusement Parks On Fire’ in recent times. Quite simply, this is a stunning debut record, a triumphant fanfare that heralds the arrival of yet another precocious young talent onto the UK’s ever-burgeoning music scene" (pitchfork.com)
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Moby Grape: Omaha / 8:05 (Live at the Mike Douglas Show)

Como no he encontrado ningún vídeo de Moby Grape actuando en Monterrey, os adjunto éste en el que aparecen interpretando en vivo Omaha y 8:05, dos de los temas incluidos en su primer álbum, (Moby Grape, 1967, Columbia). Lo cierto es que Moby Grape pasa por ser uno de los grandes grupos de mediados-finales de los sesenta en la escena norteamericana y a la vez por uno de los más olvidados, debido a la campaña sobredimensionada de marketing a la que el disco fue sometido, lo que dio la sensación en el público y en la crítica de que se trataba de un grupo de laboratorio, como se decía entonces, o de un mero hype, como se dice hoy en día. Prometemos dedicarle un post cuando acabemos con la serie de Monterrey. Por lo pronto, disfrutad de su vídeo.

Monterey International Pop Festival, Part-4/9

Para la cuarta entrega dedicada al Festival Internacional de Monterrey, hemos de hacer una breve reseña para hablar de uno de nuestros grupos favoritos de siempre: The Byrds, quienes realizaron una de sus últimas actuaciones contando con sus miembros originales, si bien Gene Clark ya había abandonado la formación. Pues bien, viendo el concierto uno llega a darse cuenta del porqué de ese despido; el ego de Crosby había llegado a un punto tan insoportable, que fue necesario prescindir de él para que la banda continuase funcionando. Este deseo de protagonismo no sólo se refleja en el concierto de The Byrds, donde en todo momento toma la voz cantante en los intervalos entre canción y canción, adueñándose de un protagonismo dentro de la banda que en ningún momento tuvo un papel mayor que el de mero guitarrista de acompañamiento (bastante mediocre) y el de co-autor de algunos temas. Hasta tal punto llegó su megalomanía que llegó a actuar incluso con Buffalo Springfield, para suplir a Neil Young. No pasó mucho tiempo hasta que el resto de la banda decidiera prescindir de sus servicios, y aunque participó en las sesiones de The Notorious Byrd Brothers, su siguiente álbum, y uno de los mejores de la banda, en su portada no apareció ya su imagen, sino la de un caballo (¿quedó algún resquemor entre el resto de componentes?) Como curiosidad os diré que en el concierto fue una de las pocas ocasiones en que se vio a McGuinn con una guitarra eléctrica que no fuera una Rickenbacker, concretamente con una Gibson interpretando Hey Joe. Os acompaño un vídeo de uno de los temas que mejor les quedó en el festival: He was a friend of mine y de otro de Have you seen her face.
Otro de los grupos interesantes que actuó en el festival fue Moby Grape, una gran banda relegada casi al olvido pues sólo llegaron a editar dos discos, el segundo de ellos bastante mediocre, si bien el primero podría pasar por ser uno de los mejores esfuerzos en aunar Folk y Pop, tras la brillante carrera de los Byrds de Roger McGuinn. Completan el disco las actuaciones de Laura Nyro y Hugh Masakela.

Disc 4 (Saturday Night 17.06.1967)

MOBY GRAPE
1. Tommy Smothers introduction
2. Indifference
3. Mr. Blues
4. Sittin’ By The Window
5. Omaha

HUGH MASEKELA
6. Bajabula Bonke (Healing Song)

THE BYRDS
7. Renaissance Fair
8. Have You Ever Seen Her Face
9. Hey Joe
10. He Was A Friend Of Mine
11. Lady Friend
12. Chimes Of Freedom
13. So You Wanna Be A Rock ‘N’ Roll Starn

LAURA NYRO
14. Today
15. Wedding Song
16. Poverty Train
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The Scotland Yard Gospell Choir: And the horse you rode in on (2009), Bloodshot Records

Si he de ser sincero os diré que me interesé por este grupo porque el nombre me hizo mucha gracia. Bueno, éso y porque leí las etiquetas que aparecían en el post de algún blog y leí Indie, Pop, Alternative, Twee. No conocía de nada a este grupo de Chicago, pero la descripción no podía ser más acertada. Yo acaso añadiría algún rasgo de Pop-Folk (Something´s happening, Ogilvie station), al estilo de muchas bandas escocesas o de Gales, que es de donde provienen las raíces de Elia Einhorn, líder de SYGC, y con cuyos sonidos podríamos confundirlos perfectamente y pensar que aquél es su origen. El concepto sonoro lo tenemos más o menos claro, ahora nos interesaría su concepto lírico, y es que los textos de Elia tienen mucho de literario y costumbrista, algo semejante al concepto de la música que tienen The Shins. Por lo demás, su voz tiene un deje tremendamente parecido al de Jarvis Cocker, con quien seguramente podrías confundirlo si no te explican previamente de quién se trata; pero es que además muchas de sus canciones comparten un parecido más que razonable, tanto por su tratamiento sonoro como por la forma de cantar o su temática (Stop!, One night stand, I pretend she´s you, Hope is still on your side, Libertybille or somewhere). Demasiados parecidos para nuestro gusto, que nos quedamos con otros temas en los que no aparece la voz de Elia sino la de Mary Ralph: Sixteen is too young y Praying is a heartache. La primera es un medio tiempo precioso acústico con acompañamiento de violines y teclados y con una línea de bajo que nos recuerda a los tiempos del primer Lou Reed en solitario. La segunda es otra belleza de tema, de aires acústicos y folkies, acompañados de cellos y violines y cantada a dúo. Hay que decir que los últimos cortes también suponen un cierto cambio en el rumbo del disco, derivando hacia un hedonismo más descarado (And the horse you rode in on, Tear down the opera house), particularmente este último parece enteramente sacado del repertorio de The Housemartins.
Disco de variados registros, desde el más intimista hasta el más popero y costumbrista o al descaradamente divertido, en el que seguro que podrás encontrar algún tema que te guste si eres buen aficinado al Pop.
Por cierto, a finales de septiembre la banda sufrió un desgraciado accidente de furgoneta en el que la mayoría de sus miembros salieron con heridas de cierta gravedad. Sabido es cómo funciona el sistema sanitario y los seguros médicos en Estados Unidos, por lo que el grupo está seriamente necesitado de ayuda económica para poder sufragar los gastos médicos y materiales. El día 30 tiene lugar en su Chicago natal un concierto de ayuda, y también puedes colaborar con un Paypal leyendo aquí.
"Chicago-based chamber pop collective The Scotland Yard Gospel Choir aren’t your typical debauched rock stars reveling in a pastiche of self-destructive clichés. Leading a band that’s shared the stage with both the Arcade Fire and Ira Glass, Spoon and Dave Eggers, it’s clear that lead singer, guitarist, and keyboard player Elia and his scrappy group are comfortable straddling the divide between the debased rock ‘n’ roll world and the high-minded literati. As it turns out, both shoes fit. Not content with merely performing with some of the most notable names in independent music, the band has explored their connections with the literary and theatrical worlds, performing with Eggers, DeRogatis, This American Life’s Glass, author Joe Meno, and Saturday Night Live regular Fred Armisen.
With Welsh-born Elia as the ringleader, The Scotland Yard Gospel Choir is a free-spirited collective of musical visionaries who turn out exuberant and rough-hewn chamber pop. Among the talent that performs and/or records with the Choir includes core players like bassist and recording engineer Mark Yoshizumi, guitarist and vocalist Mary Ralph, drummer Jay Santana, violin player Ethan Adelsman, keyboardist Alison Hinderliter (Le Concorde), and a brass section made up of Sam Johnson (Mucca Pazza, Hawk & a Hacksaw) and Matt Priest (Canasta). The extended Scotland Yard family is comprised of a who’s-who of the Chicago underground music community, boasting the likes of cellist / vocalist Ellen O’Hayer (Bright Eyes); Sally Timms, Nora O’Connor and Kelly Hogan, who sing backup on the self-titled album; and Nate Walcott (Bright Eyes, Rilo Kiley), and Brett Whitacre (Th’ Legendary Shack Shakers).
In a few short years, The Scotland Yard Gospel Choir has become one of the Chicago indie music scene’s best-kept secrets, with Chicago Sun-Times critic Jim DeRogatis opining upon "Jennie That Cries," the single from the band’s debut i bet you say that to all the boys, "[is] a beautiful, lulling single, with special emphasis on the gorgeous vocals.” The band's music has served as a backdrop to many television shows, including The OC, What About Brian and the movie Special, and their self-released debut received attention from Time Out NY, Billboard, and Popmatters" (bloodshotrecords.com)
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Jesu: Opiate sun (Ep, 2009), Caldo Verde

Ayer se editaba este Ep de cuatro canciones de Jesu, quienes habían presentado igualmente este verano su tercer larga duración, Infinity (Hydra Head, 2009). El Ep se edita, sin embargo, en otro sello, Caldo Verde, y es un disco que ha visto pospuesta su edición en varias ocasiones. En cualquier caso, aquí está esta nueva entrega de la banda de Justin Broadrick, líder carismático del grupo y responsable máximo de su sonido, al igual que lo fue de Godflesh. Su sonido es una oscura mezcla de Post-Rock, toques de experimentación, trallazos guitarreros que en ocasiones tienen que ver con el Post-Metal, el Drone, el Grunge, y por qué no, algunos rasgos de Shoegaze. Una mezcla un tanto heterogénea, pero que tiene su punto de belleza. Si he de ser sinciero, os diré que no me atrae demasiado el producto, pues considero que es un trago demasiado sosegado y meditabundo, pero como en The JangleBox tiene que caber casi de todo, pues os lo presento. Sus cuatro temas son cuatro piezas calmadas y sosegadas, de ambientes más bien oscuros en los que predominan su alto contenido emocional expresado principalmente por las guitarras y en los que aparece un cierto acercamiento a un sentimiento algo más popero, especialmente en Deflated. Comprobadlo vosotros mismos.
"With bands like the Angelic Process, Alcest, and now Phil Elverum (aka Mount Eerie), a whole new world has opened up for heavy music, large in part because of Jesu mastermind Justin Broadrick’s tireless effort to not settle for the conventional sounds of metal. The effort has become to make this loud, abrasive music become melodic and sentimental—something Jesu’s latest track, “Deflated” is somewhat the pinnacle of. Its drop-tuned doom riffage is buried into a swarm of melodic guitar melodies and quite possibly one of the best vocal performances of Broadrick’s career. The track builds beautifully behind slightly atonal sustained chords into a stoner shoegaze haze while Broadrick chants, “You give me reason.” How’s that for hardcore.
Oddly enough, it somehow makes sense that Opiate Sun, the EP on which this track is contained, will be released on Caldo Verde Records, Red House Painters/Sun Kil Moon songsmith Mark Kozelek’s imprint. Hands down, this is the heaviest thing Kozelek has ever released (and he is doing so after being duly impressed by a Jesu show in 2007), but he is no stranger to spastic guitar passages –- something he experimented with earlier in his career. Opiate Sun is due out October 27th, and info on what formats it will be released on is TBD" (popmatters.com)
"Broadrick also announced that a new EP, titled Opiate Sun, would be released in July, 2009. The EP had originally been mentioned in 2008 but a title and official release date had yet to be announced. This four song EP will be the first studio recording to include the lineup of Justin Broadrick, Dave Cochrane and Phil Petrocelli. This lineup is featured on two of the four tracks, with the classic lineup of Broadrick, Parsons and Dalton performing the other two tracks. Opiate Sun has since been rescheduled for October 27, 2009, and will be released on Mark Kozelek's record label Caldo Verde. The Daymare edition of the album will be released on November 6, 2009 in Japan and will include a "demo" version of one of the four songs as a bonus track" (wikipedia.org)
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The Big Pink: Crystal visions (from A brief history of love, 2009)

The Big Pink: A brief history of love (2009)

A medio camino entre el puro hype y el ambiente más cool dentro de la escena Electro-Rock, entre el Pop-Electrónico y el Glam-Noise, aparece -apareció más bien, a mediados del mes pasado- este A brief history of love(4AD, 2009). Personalmente, una vez oído el disco, no sé que pensar realmente. Últimamente las dudas que nos asaltan cada vez que oímos algún producto británico, que suenan a ser "los nuevos..." nos entra bastante resquemor, pues ya sabemos cómo se las gastan por esas latitudes en cuanto que un nuevo fenómeno hace su aparición. Lo cierto es que The Big Pink tienen algunos temas que no están nada mal, pero en otros, su nivel baja tanto, que da que pensar. En este disco, ocurre ésto. El dúo formado por Robbie Furze y Milo Cordell ha facturado un disco un tanto irregular, que toma elementos de aquí y de allí: electrónica y sintetizadores se fusionan con guitarras más que afiladas (Count backwards from ten), incluso con ambientes shoegazers (Crystal visions). Son los momentos más excitantes del disco, esos temas que realmente impresionan al fusionar esos elementos, Electrónica y Noise. Crystal visions es el mejor exponente. Una especie de cruce entre Black Rebel Motorcycle Club y New Order. Gran tema en el que la intensidad Noise llega al punto álgido al final del mismo. En Too young to love, la mezcla ya se decanta algo más por el lado de la electrónica, algo así como lo que realizó The Jesus and Mary Chain en su época Honey´s dead. El single Dominos, ya conocido previamente, toma claramente el lado electrónico como el predominante en su sonido. Y la verdad que es un tema muy apañado, a mí personalmente me recuerdan los sonidos de EMF, a principios de los noventa. A partir de aquí, personalmente, sólo salvo Tonight, divertido tema Electro-Pop. Por lo demás, demasiados clichés ochenteros (Love in vain, At war with the sun); concesiones incluso Glam (Velvet, Frisk), que lo que consiguen es acercarles al peor sonido de Kasabian (como leí en Don´t eat the yellow snow, y no puedo estar más de acuerdo). Demasiada irregularidad para un solo disco que navega un tanto erráticamente entre fuentes diversas pero que no logra retener la verdadera esencia de alguna de ellas. Por cierto, si le das un giro a la chica de la portada, te puedes encontrar con la portada de Logos, de Atlas Sound, sospechosamente parecida.
"Not everyone was interested in following OK Computer's example of using electronic music for texture so much as another avenue towards anthems, and tracks such as "Bittersweet Symphony", "Pure Morning", "All You Good Good People", and, yes, "D'You Know What I Mean" proved a natural fit between massive, if rudimentary hip-hop beats and what might otherwise be flag-waving, stadium-filling radio smashes. And so then, the lineage continues with the Big Pink's mighty "Dominos"-- it's such an undeniable, simple hook, and such an undeniably locomotive but lumbering beat that it steamrolls any doubt you have about the rest of it being underwritten or misogynistic.
But more promising is how in spite of the IMAX-ready sonic presence of previously released singles like "Dominos" and "Crystal Visions", History rarely feels something other than hand-crafted. Furze and Cordell produced the album themselves, with engineering done by Rich Costey who, judging from the latest Mew and Glasvegas records, knows his way around huge. A Brief History stills sounds surprisingly nuanced in headphones-- you can enjoy how the group fits an entire album's worth of power chords into a swath of synthesizers that honor their 4AD legacy on "Dominos", but from the anticipatory shaker that leads into the hook or the feedback-scratched bridge, repeat listens are rewarded long after they've been demanded. "Too Young to Love" hurtles by on momentum more than melody, its raga drone breaking up into shards of scree like a comet through the atmosphere. But almost as hypnotic is the passionate vocal performance on "Velvet", which reveals a similar endlessly upward arc to "Fake Plastic Trees", right down to the distorted blow-out midway through.
Though History never fails to sound elegantly wasted at any tempo, its majority goes in buffet-style on the last two decades of UK's beat-minded rock, united by Furze's Jason Pierce-ing sneer. "At War With the Sun" nicks Stone Roses' jangle with nastier distortion pedals, while "Frisk" is halfway between Damon Albarn's early forays into funk and the more silken prog of Mansun's Attack of the Grey Lantern. Two years ago, you might've caught Cordell releasing early singles from Crystal Castles and Klaxons on his Merok label, so it's not a surprise that learning on the job resulted in nu-rave wondering how it missed out on shrieking dumb fun like "Golden Pendulum" and "Tonight".
Despite all the cavalcade of classics that A Brief History of Love conjures, my favorite comparison for these guys is actually another youthful, romantically minded British act: The xx. By "comparison," I don't mean "sounds like"-- the two bands seem like they're operating while diametrically opposed. Some might find the Big Pink churlish or even anti-romantic (though I'd argue they hardly spend enough time acknowledging women enough to really comment on them) compared to the restrained and unusually mature xx, who hew more comfortable notions of gender relations. "Love in Vain" tries a little tenderness, but "if you really love him, tell me that you love him again," hints at vulnerability before "then go" turns the sentiment as cavernous as the reverb surrounding it. But while sometimes you fall for the art of seduction, there's the part of us that want to be overwhelmed-- A Brief History of Love is a study in the enormity of sound doing just that, each reverbed kick drum, phasers-on-stun guitar, and wastrel vocal refuting the idea that you need to talk about the passion to express it" (pitchfork.com)
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Headlights: I don´t mind at all (from Wildlife, 2009, Polyvinyl Records)

The first installment in the Headlights Vibloggeo, a weekly installment created by Headlights while on tour. Check back in YouTube each week for new episodes.

Headlights: Wildlife (2009), Polyvinyl Records

Intimistas, poéticos, acústicos, poperos... cualquiera de estas etiquetas valdría para encuadrar la música y el sonido de este combo norteamericano de Illinois, poco amante, sin embargo, de utilizarlas. A medio caballo entre el Pop-Folk y el Pop con reminiscencias ambientales, a lo Fanfarlo, el tercer álbum de la banda sí que está dominado por una nota en común: el intimismo (Wiscosin beaches, We are all animals), y los medios tiempos con ambientes acústicos ambientados por una tenue red de sonidos de teclados que hacen de este disco, como ellos mismos reconocen, una perfecta transición del verano al otoño, una bonita reflexión sobre las relaciones humanas, no sólo las amorosas. Los juegos de voces chica-chico son también otra de las constantes positivas durante todo el disco (Teenage wonder, Slow down town). Las canciones que más nos han agradado son aquellas más animadas, en los que la banda saca a relucir su influencia más Dream-Pop: Telephones, precioso tema en el que podríamos confundir su sonoridad con la de grupos de los países nórdicos, tal es la belleza de su sonido, sencillo y vagamente aderezado por algunos teclados. You and eye y Dead ends presentan semejante sonido, aquí con unos medios tiempos (ritmo en el que mejor se maneja el grupo adornados por un sonido más ambient). Get going tiene un aura algo más feliz, veraniega y soleada, y podría encajar, por ejemplo, en Songs from Northern Britain de Teenage Fanclub. El sonido se vuelve más taciturno para entonar Love song for Buddy, especie de nana adornada con tecladitos a lo Velvet: Gran tema. Y la que es para quien escribe, la mejor canción del álbum: I don´t mind at all, el corte más animoso de la colección y en la que aparecen las guitarras más mordientes -su solo es sumamente parecido al de alguno de Yo la Tengo-, arropado por un ritmo muy machacón. Disco, en definitiva, para disfrutar con calma, melancólico, pensativo e intimista, del que nos gusta más su primera parte, pero en cualquier caso, perfecto para disfrutarlo en una tarde otoñal como las que se avecinan.
"The first track on Headlights' newest album is called "Telephones", but there are a half-dozen other songs on Wildlife that could've feasibly been titled the same. Phones are all over the indie pop band's third full-length effort: they ring with no one to answer them; calls are short and only reinforce the distance, both literal and emotional, between yourself and the ones you love. The telephone serves as the great motif and most pernicious tool in reinforcing the album's overriding theme, which is how frail, fraught, and difficult to maintain the connections are between family, lovers, and friends.
You may be thinking this synopsis sounds pretty heady for an indie-pop record, especially coming from a band that rather guilelessly trumpets itself as "Indie Rock for People Who Love Pop" on its web site, and that made its biggest splash to date with a politely infectious single called "Cherry Tulips". It's actually quite easy to listen to Wildlife as a breezily low-key indie pop record if that's what you'd prefer, though that short-sells the group's admirable conceptual accomplishments. Musically, the album is largely loose-limbed and friendly, from the ringing, melodic guitar lines of "Telephones" to the easy sun-kissed vibes of "Get Going" to the almost cheekily hollow trashcan drumbeats of "Love Song for Buddy". "I Don't Mind at All" approximates the tense propulsion of Broken Social Scene, but that's about as sonically pensive as it gets. Even the group's purposefully moody musical bum trips are mostly too benign to really sting, and the album's generally undemonstrative character makes it ripe for an ignorable listen assuming you're not feeling inclined to really dig beneath its placidly shimmering surfaces.
So Wildlife isn't exactly bursting at the seams with earworms, but it's a worthy achievement for taking a poignant, powerful emotional state and carrying its thread for 42 minutes. The band's bio admits Wildlife was a difficult album to make, the recording process marked by a near-total scrapping of material at one point as well as the eventual departure of guitarist John Owen. It seems this tumultuous experience-- along with other, unspecified personal hardships-- deeply affected the outlooks of songwriting principals Tristan Wraight and Erin Fein. More than anything, emphasis seems to be placed on how difficult it is to maintain friendships throughout the passage of time-- maybe it's something as simple as the fact that you're "so far from home" ("Telephones"), or maybe your friends are physically close, but are just "too busy growing old" ("Dead Ends"). Fein in particular tries desperately to break through, pratically breathless in her desire on "Secrets" to know another's darkest moments and deepest agonies. By the end of Wildlife, it's almost as if the effort of trying to connect and understand has left everyone emotionally exhausted-- without wallowing in nostalgia, the closing "Slow Down Town" muses on "Easier times/ When your friends were around/ And they called you on the weekend/ And you knew where all the people hung out." If you've stayed with Headlights this long, chances are when the record ends you yourself will be grabbing a phone and making a call, and hoping you don't get sent to voice mail" (pitchfork.com)

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Cómpralo/Get it-Polyvinyl Records

The Electric Flag: Drinkin´ wine (Live at Monterey, 1967)

In his solo in Electric Flags Wine performed at Monterey, Mike Bloomfield uses different fingerboard positions as a timbral resource, one of the first blues-rock guitarists to do this with the awareness and control shown here. In the short span of 0:48-1:13, he alternates between 5th and 7th positions in the manner of a call-and-response, before jumping up 12 frets and moving down the second string in a cascade of pull-offs, followed by a leap to the 17th fret, which sets up the second half of the solo. Gestures that use the fingerboard in a linear way like this are the focus of Ch. 35 in the book, Finite Blues: 2,000 Musical Gestures for Electric Blues Guitar.

Monterey International Pop Festival, Part-3/9

Esta es ya la tercera entrega que desde el Retro-Visor le dedicamos al Festival Internacional de Monterrey (Monterey en inglés, con una sola erre). Como curiosidad, os diremos que el sistema de sonido empleado en él fue de lo más vanguardista que para la época se estilaba. El responsable del mismo fue el ingeniero Abe Jacob.
"Also notable was the festival's innovative sound system, designed and built by audio engineer Abe Jacob, who started his career doing live sound for San Francisco bands, and went on to become a leading sound designer for the American theatre. Jacob's groundbreaking Monterey sound system was the progenitor of all the large-scale PA's that followed. It was a key factor in the festival's success and it was greatly appreciated by the artists -- in the Monterey film, David Crosby can clearly be seen saying "Great sound system!" to band-mate Chris Hillman at the start of The Byrds' performance"
Igualmente como curiosidad os diremos que en el festival se dieron a conocer los primeros sintetizadores analógicos, que partieron de los primitivos Theremin desarrollados por el ingeniero electrónico y físico Robert Moog, de ahí que ése fuera el nombre que recibieran esos primeros artilugios electrónicos, usados en seguida por gentes como Roger McGuinn en The Byrds, The Doors o The Rolling Stones.
"Electronic music pioneers Paul Beaver and Bernie Krause set up a booth at Monterey to demonstrate the new electronic music synthesizer developed by Robert Moog.[9] Beaver and Krause had bought one of Moog's first synthesizers in 1966 and had spent a fruitless year trying to get someone in Hollywood interested in using it. Through their demonstration booth at Monterey, they gained the interest of acts including The Doors, The Byrds, The Rolling Stones, Simon & Garfunkel and others. This quickly built into a steady stream of business and the eccentric Beaver was soon one of the busiest session men in L.A., and he and Krause earned a contract with Warner Brothers"
En este tercer disco podréis disfrutar de grupos como los blueseros Butterfield Blues Band, Steve Miller Blues Band, The Electric Flag; y los inclasificables Quicksilver Messenger Service.

Disc 3 (Saturday Afternoon 17.06.1967)

BUTTERFIELD BLUES BAND
01. Look Over Yonders Wall
02. Mystery Train
03. Born In Chicago
04. Double Trouble
05. Mary Ann
06. Droppin’ Out
07. One More Headache

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE
08. All I Ever Wanted To Do (Was To Love You)

STEVE MILLER BLUES BAND
09. Mercury Blues

THE ELECTRIC FLAG
10. Drinkin’ Wine
11. Groovin’ Is Easy
12. Night Time Is The Right Time
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Times New Viking / Yo la Tengo: Nothing to hide (2009), Matador

Times New Viking suplantando a Yo la Tengo en este simpático vídeo promocional del sello que comparten ambas bandas, Matador Records.

Times New Viking: Born again revisited (2009), Matador

Cuando se hace del Lo-Fi un credo y del amateurismo una manera especial de hacer las cosas, nos encontramos con bandas como Times New Viking, proyecto del que fuera componente de Pavement, Mark Ibold, tambien enrolado en Free Kitten. Su sonido es absolutamente primitivo: imagínate a tres chicos que se reúnen a componer en el garaje de uno de ellos y graban sus temas en un cassette o un Mp3 tocando en vivo. Pues ése es el sonido de Times New Viking, como dije antes, el Lo-Fi llevado a extremos brutales y las guitarras echando humo. Pero lo bueno es que hay temas que no desmerecen en absoluto: Move to California; Hustler, Psycho, Son; These days; 2/11 Don´t forget; Born again revisited; No time, no hope; Martin Luther King day; Half day in hell... Sus temas son en su mayoría breves apuntes de canciones que duran apenas minuto y medio o dos minutos; algo así como lo que facturaban Guided by Voices o los primigenios Pavement (escuchando este disco uno tiene la sensación de estar delante del Westing (by musket and sextant) de los extintos Pavement, tanto por su sonido básico de guitarras distorsionadas al límite como por su grafismo). Pop distorsionado, acordes disonantes, arreglos inverosímiles de teclas, desafines... Disco algo duro de afrontar pero en el que podrás encontrar pequeñas joyas escondidas detrás de una maraña de distorsión y Noise.
"A pox on those who claim the venerable VHS format is dead ; in fact, Times New Viking delivered the master recordings to their forthcoming LP/CD/digital album ‘Born Again Revisited’ (OLE 860) on a Video Home System cassette. Addressing the mountain of constructive criticism they’ve received from self-styled musicologists wanna-be producers and persons with my initials, the Columbus based trio promise their 2nd Matador album (and 4th overall) features “25% higher fidelity”, a percentage our own engineering staff has confirmed after hourse of exhaustive laboratory tests.
Much has been made in the press of late of Cheap Trick’s attempts to steal Adam, Beth and Jared’s thunder by releasing their upteenth comeback album on 8-track, but with all due respect to the state fair fixtures Rockford’s finest, it’s been a generation since they’ve come up with anything as provocative as ‘Born Again Revisited’’s “Move To California” or “No Time No Hope” (mp3). While Times New Viking continue to make-it-look-easy, I can assure you it’s anything but that. A cursory glance at the American rock underground reveals a landscape littered with well-intentioned but vastly inferior bands who’ve caught the lo-fi bug ; Times New Viking are well advised to disavow responsibility for the epidemic, but whoever the guilty party is, the ferocity of TNV’s shows and their sheer quality of their songwriting should be enough to win them a presidential pardon, not unlike the one ‘Born Again’ author Chuck Colson never quite received" (Nota de prensa de Matador Records)
"Breath in: snuff a line speed, a half hour jump on your cheap amplifiers, salad yet once a half hour with you yet cheaper guitar against the wall. Write eleven popliedjes, lay the emphasis on cryptic and forget everything your song teacher you ever learned has. Seek your neighbor girl on and tell her that your musics will make. Lay her emphatically from that she must not try to sing. Stick, now that you it really are, also just your tongue between her lips till you certainly are that they that rather has not. Give her then you eleven popliedjes and (optioneel) a guitar. Question her these eleven popliedjes with you together to not to sing, expect of it surplus. Mess what with the buttons on the amplifier, let the hamster of your neighbor girl also once over the strings run, sign the head of the father of your neighbor girl on the skins of a Bears Smit drumstel, call her feather ten-year-old little brother and lay from that its father him really real hatred. Breath out: and voila, Yourself Summoned. Sounds good? Sounds in it really yet better. Blessed with a delicious dose ADHD-spontaneity and a fine nose for popmelodieën know Tim New Viking on Summoned Yourself a particular charming pot borrow-fi garagepop down to dump. A kind of contemporary version of The Shaggs, but then without the implicit family tie. More a neighbor boy-neighbor girl tie thus" (MySpace)
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Cómpralo/Get it-Matador Records

Helen Love: Calm down Dad (Single, 2009), Elephant

Ya lleva algún tiempo en el mercado este nuevo single de la veterana banda de Gales liderada por Helen Love y que lleva su mismo nombre. Ellos continúan como si el tiempo no pasase sobre sus cabezas, facturando tremendos cortes del mejor Electro-Punk, o si lo prefieres, del mejor Pop-Punk-Electrificado. El single fue adelanto del que será su sexto álbum, Stick it, que aparecerá en breve. Para la canción que da título, han preferido adentrarse por los terrenos algo más edulcorados y poppies, construyendo un tema que habla de las diferencias entre un padre y una hija adolescente enamorada y que quiere cantar como Kate Nash, pero con acento barriobajero. John Peel roadshow es otro perfecto tema de Pop-Punk dedicado a la memoria de su admirado John Peel, quien recordemos que les tenía como una de sus bandas favoritas. Candylips es un auténtico trallazo energético en una onda cercana a los Fastbacks, dedicado al chico con los labios más acaramelados del barrio. Pura energía en estado puro la que nos prometen Helen Love para esta nueva entrega discográfica. Por lo pronto, estos siete minutos se nos antojan demasiado poco.
"¡Estamos de suerte, HELEN LOVE están de vuelta!, nuestro grupo favorito de Bubblegum-disco-punk están en su mejor momento y tienen una espléndida colección de canciones nuevas que van a enloquecer a medio planeta. “Calm down dad” es el single de adelanto de su flamante nuevo álbum, “Stick it”, que vera la luz muy pronto en Elefant Records. Mientras llega ese momento, y para apaciguar la dura espera, aquí tenemos este aperitivo con tres grandes canciones. “Calm down Dad” es pura energía, indie-punk-pop pegajoso que relata las diferencias entre un padre y su hija. Ella quiere divertirse, salir de noche, acostarse con un chico, vestirse como un vampiro sin que la miren raro en casa, viajar por todo el mundo, probar cosas nuevas e incluso llegar a cantar como Kate Nash, pero con acento barrio bajero. Como una mezcla a partes iguales entre Jilted John y THE WAITRESSES, en este single, limitado y en vinilo de color naranja, HELEN LOVE saltan del punk al pop y del pop al indie con unas letras realistas, sarcásticas y muy divertidas. Dulces melodías como un caramelo de naranja y al mismo tiempo acidas como la vida misma.
El single se completa en la cara B con dos píldoras hiperaceleradas de puro punk-pop. “John Peel Roadshow” habla de como reunir el suficiente valor para entregar una maqueta a un locutor de radio. HELEN LOVE, queridos y apoyados durante años por John Peel, grabaron una “Peel session” en 1997, lo que significo para ellos uno de los momentos culminantes en la historia del grupo, lo mismo que una tarde de verano en la que John Peel, después de pinchar “Does your heart go boom” dijo como una risita áspera "That's HELEN LOVE... the sarcastic bastards"'. “Candeelips”, cierra este single de adelanto con una acaramelada historia sobre el chico con los labios más dulces y deseados del barrio!!!" (Nota de prensa de Elephant Records)

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Cómpralo/Get it-Elephant Records

The Raveonettes: Heart of Stone (from In and Out of Control, 2009, Vice)

He leído por algún lado que el riff de Heart of Stone tiene un cierto parecido con el Heartfull of soul, de Jeff Beck con The Yarbirds. Bueno, hay un cierto aire de semejanza, pero creo que es hilar demasiado. Comparad vosotros mismos. El tema de The Raveonettes es, en cualquier caso, junto con Break up girls!! de lo mejor del disco.

The Raveonettes: In and Out of Control (2009), Vice

Sensaciones algo encontradas son las que nos ha causado la escucha detenida de este último trabajo de The Raveonettes: In and Out of Control (Vice, 2009). Ante todo he de decir que la huella que nos dejaron sus Ep´s del año pasado no fue precisamente demasiado marcada, ya que se trataban de discos donde predominaba el elemento electrónico sobre el tradicional Noise-Pop del dúo danés afincado en Usa; así que nos temíamos lo peor con respecto a este disco. Pues bien, no ha habido un cambio tan radical, pero es cierto que la excelencia Noise por la que se movían The Raveonettes ha desaparecido en parte. Eso no quiere decir nada malo, pero es que a estas alturas imaginarnos a The Raveonettes con un sonido más limpio y adornado a lo Dream-Pop... no nos cuadra demasiado. La producción ha corrido a cargo de DFA y del dúo sueco Junior Senior, aunque imaginamos que el dúo habrá tenido bastante que decir. Bien, las sensaciones no son del todo malas al escuchar Bang!, el primer corte, buen tema Retro-Pop con todos los elementos clásicos del grupo: guitarrazos con muchísimo eco y efectos twang, el overdrive de la guitarra solista está algo apagado; pero esa caja de ritmos... El siguiente tema es Gone forever, otro corte donde nos encontramos de bruces con el ritmo secuenciado y programado, las guitarras siguen sin aparecer del todo distorsionadas, y aparecen arreglos de teclas. Bueno, ésta es ya la segunda canción que se despega algo del clásico sonido Raveonettes. Last dance, primer single escogido, ya no me la trago. A ver, el dúo se había labrado una reputación en base a un sonido claramente identificado: Noise, Garaje, Surf, Muro de sonido... En este tema nos encontramos con eso, pero con una "batería" que recuerda más a las pomposidades de Duran Duran que a la clásica majestuosidad Noise de The Raveonettes. Está bien buscar nuevos rastros sonoros en tu carrera musical, pero tirar por aquí no me ha resultado demasiado creíble. Así que decidido ya a abandonar cualquier crítica positiva del todo, me encuentro de bruces con Heart of Stone. Llamadme clásico si queréis, pero este es el verdadero registro que añoramos en cualquier disco de The Raveonettes: Voces susurrantes para acompañar la perfecta melodía a lo JMC, acompañado de la omnipresente guitarra twang al estilo de, por ejemplo Duane Eddy o Link Wray. Para encontrar otro tema semejante nos hemos de ir hasta Break up girls!, otro corte semejante al anterior, con sonoridades semejantes y distorsiones aunque sólo sea algo cercanas a las de Ally walk with me, de su memorable Lust lust lust (Vice, 2007).
Disco, en definitiva, que según he leído por algún lado, es un intento -loable- del dúo por acercarse al lado más hedonista del Pop, abandonando algo su pose algo más seria, incluido en el aspecto de las letras. Ésto está bien, pero personalmente encuentro que lo que realmente ha bajado el dúo, quién sabe si intencionadamente, ha sido su intensidad sonora: la distorsión es mucho más apagada, muchas guitarras están en un plano más secundario; las cajas de ritmos empleadas no aportan el matiz sonoro característico del dúo. Intensidad que por ejemplo, sí encontramos en otro grupo con componente femenino en sus filas: Gliss. Bien harían Sune Rose y Sharin Foo en volver a la senda perdida.
"On a superficial level The Raveonettes' bittersweet allure has been obtained by filtering surf guitar motifs and doo-wop standard-bearers like the Ronettes through whatever electrical machination it was that gave The Jesus and Mary Chain their brittle searing edge. Which may sound like a simplistic idea on the face of it, but these two poles have provided the Danish duo of Sune Rose Wagner and Sharin Foo with four albums of distinctive, sometimes dark, frequently beautiful vignettes.
And though they've been hugely accessible and often great (their previous album, Lust Lust Lust, was outstanding and certainly worthy of consideration as one of 2007's best), In and Out of Control is the most immediate material The Raveonettes have released to date. The vast wash of reverb and static that typifies their sound is still there to a greater or lesser extent - particularly on 'Break Up Girls', which is the sole track that makes real concession to the side of their character that luxuriates in offensive noise - but in the main this veil has been drawn back somewhat, forcing the melodies and bones of the songs to the fore; they feel cleaner, happier, and carry less baggage to get in the way of the obvious pop sensibilities.
It is a quite subtle but very real change in focus. In tracks like 'Bang!', 'Suicide', 'D.R.U.G.S.' and 'Gone Forever' big choruses dominate and though dark and dangerous lyrical themes abound, the delivery of them is sweet, almost removed - even on the saccharine 'Boys Who Rape (Should All Be Destroyed)'. Similarly, 'Last Dance' sounds like a suicide at a prom, which is conveniently what it is about, on the face of it; that, or the last in a long line of overdoses, at least, which amounts to the same thing.
These regular grabs for attention stick a little - there's a slight impression that some of the themes have been skipped across like a flat stone dancing across a deep lake, purely for effect: Drugs? Check. Suicide? Check. Rape?...but it's to the Raveonettes credit that the superficiality and dark hunour with which these subjects are broached is ultimately liberating. Indeed, it's not this that causes lingering doubts so much as The Raveonettes continued dependence on a one-trick formula. They can be either more overtly poppy, or more overtly noisy but those are the long-established and hard-set parameters and as a result a stationary if well-studied repetoire of songs is ultimately mined.
That not to say that you'd have them change; they were around before a host of bands trading on similar stock, and had a fair old dose of Shoey' in them from the start. Besides, The Raveonettes won't change. This is their thing, their schtick. And for the most part, bending phil Spector out of shape and dragging him by his hair through a raft of distortional devices and all the while kicking the hell out of the ‘Leader of the Pack’ is a very good thing" (drownedinsound.com)
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Canned Heat: Rollin´and Tumblin´ (live at Monterey, 1967)

Monterey International Pop Festival, Part-2/9

Este fin de semana vamos a dedicarle en el Retro-Visor la segunda parte de las nueve que se compone este mega-post dedicado al Monterey International Pop Festival, que iniciamos la semana pasada. Una de las características principales es que fue un escenario multicultural donde se mezclaron etnias y razas diversas, así como géneros musicales de lo más variado, desde el Pop al Folk, el Rythmn and Blues , el Rock and Roll, el Soul o el Jazz.
"Almost every aspect of The Monterey International Pop Festival was a first: although the audience was predominantly white, Monterey's bill was truly multi-cultural and crossed all musical boundaries, mixing folk, blues, jazz, soul, R&B, rock, psychedelia, pop and classical genres, boasting a line-up that put established stars like The Mamas and the Papas, Simon & Garfunkel and The Byrds alongside groundbreaking new acts from the UK, the USA, South Africa and India.
…Monterey Pop was a seminal event: it was the first real rock festival ever held, featuring debut performances of bands that would shape the history of rock and affect popular culture from that day forward. The County Fairgrounds in Monterey, California… had been home to folk, jazz and blues festivals for many years. But the weekend of June 16 - 18, 1967 was the first time it was used to showcase rock music"
Igualmente sirvió como rampa de lanzamiento para numerosos músicos o bandas que no eran del todo conocidas en los Estados Unidos, incluido Jimi Hendrix, quien recordemos que inició su corta pero intensa carrera musical en el Reino Unido, donde a mediados de los sesenta se produjo un verdadero resurgir del Rythmn and Blues.
"The festival launched the careers of many who played there, making some of them into stars virtually overnight. The Who and Jimi Hendrix had each already been sensations in the UK and Europe but were practically unknown in the USA. Other artists who rose to popularity following their appearances at Monterey included Janis Joplin, Laura Nyro, Canned Heat, Otis Redding, Steve Miller and Indian sitar maestro Ravi Shankar."
En este segundo disco podrás disfrutar de las actuaciones de Canned Heat, banda pionera en mezclar Country y Blues Rural; Janis Joplin, formando aún parte de la Big Brother and the Holding Company; Country Joe and The Fish y Al Kooper.
"Monterey Pop was also one of the earliest major public performances for Janis Joplin, who appeared as a member of Big Brother and The Holding Company. Joplin was seen swigging from a bottle of Southern Comfort as she gave a provocative rendition of the song "Ball 'n' Chain". Columbia Records signed Big Brother and The Holding Company on the basis of their performance at Monterey.[5] "I became a supporter of feminism watching Janis Joplin at the Monterey Festival", says John McCleary, author of The Hippie Dictionary. "A lot of people had similar experiences watching female role models with that kind of power, unafraid to express themselves sexually while demanding their rights" (wikipedia.org)

Disc 2 (Saturday Afternoon 17.06.1967)

CANNED HEAT
1. Rollin’ and Tumblin’
2. Dust My Broom
3. Bullfrog Blues

JANIS JOPLIN AND BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY
4. Down On Me
5. Combination Of The Two
6. Harry
7. Road Block
8. Ball And Chain

COUNTRY JOE & THE FISH
9. Not-So-Sweet Martha Lorraine
10. Fixin’ To Die Rag
11. Please Don’t Drop That H-Bomb
12. Section 43

AL KOOPER
13. (I Heard Her Say) Wake Me, Shake Me
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Memory Tapes: Seek Magic (2009), Acephale, Sincerely Yours

Seek Magic es el debut en larga duración del ente sonoro Memory Tapes. Numerosas son las etiquetas en las que podríamos encuadrarlo: Glo-Fi, Dreambeat, Lo-Fi-Bedroom-Pop... para esta ocasión yo sería mucho más escueto y me quedaría con una sola adjetivación: Pop-Electrónico, porque éso es sencillamente casi todo lo que vamos a encontrar en este disco: numerosos arreglos de teclados, muchos registros sonoros, algo de experimentación (en el largo instrumental Treeship, de veintidos minutos - a mí me resulta exasperante-, Ambient... En definitiva, un disco un tanto alejado de la propuesta de su anterior entrega, ésta vez como Memory Cassette: Call and Response (2009), ya comentado también en The JangleBox. En aquella ocasión, el Pop era algo más sugerente, más Ambient, incluso algo más Psicodélico. En este Seek Magic, Dayve Hawk, el responsable sonoro de Memory Tapes, ha tirado más por la vertiente más puramente electrónica. Antes de nada, decir que Hawk es el responsable de Memory Tapes igual que lo es de Memory Cassette y de Weird Tapes. Para analizar someramente el disco, deciros que como bien sabréis los lectores habituales del blog, personalmente no somos muy amantes de la electrónica, por lo que el interés de este disco no ha sido demasiado grande. Sin duda hay auténticos amantes de estos sonidos que sabrán comprendernos si decimos que de él hemos aprovechado aquellos temas que nos recuerdan en algo a una banda de referencia, New Order: hablamos de Bycicle, donde su impronta es grande, particularmente en la guitarra solista que aparece. Es un tema éste en el que rastreamos igualmente el sonido de Talking Heads, ya sea por su base rítmica -secuenciada-, o por su forma de cantar. Green knight es otro tema destacable en el que se mezcla la batería secuenciada tanto con elementos electrónicos como analógicos, en el caso de la guitarra de ritmos, también muy neworderiana, si bien está bastante en segundo plano, acallada por las voces de Hawk. Stop talking es otro corte donde podemos rastrear las huellas de la banda británica, mezcladas, lógicamente, con numerosos elementos del Pop electrónico y algún sonido de guitarra, igualmente en segundo plano. Plain material es el tema en el que aparecen guitarras ahora sí en primer plano sonoro, marcando el tempo de un tema algo más cercano al Pop más convencional, con una voz que evoca al solista de Mercury Rev. Disco, en definitiva, que puede marcar nuevos rumbos entre los más aficionados a sonidos más afines a la electrónica y el ambient pero al que personalmente, le encuentro un tanto falto de alma, de calor humano, de proximidad y conexión con el oyente. Por cierto, puedes encontrar numerosos enlaces y descargas legales desde su propio blog: We´re Tapes.
"More than a few of these singles came from Philadelphia's Dayve Hawk in the guise of either Memory Cassette, Weird Tapes, or Memory Tapes. To this point, he'd served as something of a microcosm for this sound, which has created intriguingly hazy, wistful but beat-informed one-offs and EPs, but nothing weighty enough to get it past "something we did that one summer," as if it were a road trip or ill-fated romance recalled years later. That was before Seek Magic, a record of achingly gorgeous dance-pop that captures both the joy of nostalgia and the melancholic sense that we're grasping for good times increasingly out of reach.
Initially, Seek Magic's power derives from an intensely personalized ability to unlock hidden chambers in our memory banks. The half-submerged guitars that introduce "Swimming Field" suggest this is as a soundtrack for a restless evening, but between its F-G chord progression and aqueous thumb-piano and panflute synths, I'm reminded of scorching July days vibing out to Wilco's A Ghost Is Born. Instrumental breaks "Pink Stones" and "Run Out" recall the unconventional beauty of Apehx Twin's Richard D. James Album. "Green Knight" smacks of Police's "Wrapped Around Your Finger" in its verse and any number of mid-80s light funk with its guitar licks, the sneaker squeak in the instrumental break is one of the most evocative found sounds I've heard in a while.
Seek Magic is something of an inhabitable universe that proves there's far more to Hawk's sound than a way with reverb and passing familiarity with dance loops. The rubber-smacks-road beat of "Bicycle" would be content to mirror its titular vehicle, but nearly every minute packs some sort of detailed compositional surprise: the widescreen breakthrough where Hawk's androgynous vocals shake lo-fi two minutes in, the bass breakdown that soon rights itself into the second half's backbone, and the choral coda that lays a euphoric vocal sigh over wave-running New Order guitars. By comparison, "Plain Material" is streamlined, but not by much-- the way Hawk's voice hits the fuzzed-out guitar chords, you might think this was an unearthed Flaming Lips track, and at first, it sounds like the first time on Seek Magic that he'll adhere to a standard verse-chorus structure. It does, but only after a drum beat cribbed straight from Organized Noize turns in a bridge of teen screams imported from In Ghost Colours' nastier breakdowns.
And yet in Seek Magic's centerpieces, you sense a nocturnal unease usually attributed to more spare albums. "Stop Talking" could've been content to ride out its gummy bass riff to infinity, but it morphs through so many phases in its seven minutes that the half-time post-rock finale doesn't feel tacked-on. On the following song, "Graphics", Hawk offers an unnervingly lonely sentiment-- "I don't even recognize the sound of your voice, the feel of your touch, you could be alone even though I'm here by your side." Lyrics are mere suggestions through most of Seek Magic, but Hawk lays out an "I can't go on, I'll go on" vibe throughout. One second, he sighs "this is the last time" and immediately thereafter, "one more time, baby, one more time." It's a sentiment that's underpinned great works of art from Daft Punk ("One More Time" natch), F. Scott Fitzgerald (This Side of Paradise), Kanye West ("Why can't life always be this easy?"), and um, Old Milwaukee-- the times where you think "it doesn't get any better than this," and it's simultaneously the happiest and saddest thing you can say" (Pitchfork.com)
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Grenouille: Shadows of the lagoon (Autoeditado, 2009)

Cantautor electrónico, nuevo crooner, folkie, músico en general, artista polifacético... Todo esto se puede decir de Javier Alfonso, músico canario que decidió tomar las riendas de su proyecto sonoro, Grenouille, y emigrar a Londres para desde allí dar a conocer su música a todo el orbe vía internet, básicamente (que es como ha llegado a nuestras manos, gracias Javier), y llegar a los oídos de los amantes de la música delicada, sutil y cargada de matices. Sus influencias son de lo más variadas, como hemos apuntado anteriormente, desde los clásicos (Jacques Brell, Leonard Cohen, Edith Piaf) a los más contemporáneos (Nick Cave, Jeff Buckley, Sigur Ros, Beirut...), o a músicos de cine como Nino Rota. La nómina sería demasiado prolija, pero pienso que en casi todas se toma como referencia a cantautores o músicos que como él componen y graban su material de manera casi artesanal. En su caso, ésta su primera maqueta está completamente ejecutada y grabada por él mismo, si bien se encuentra en proceso de formar una banda de músicos de apoyo para darle a su proyecto una mayor entidad sonora y más matices si cabe. Sus temas son delicadas piezas llenas de matices y sonoridades de lo más diversas (Laurel leaves, pt.1), con referencias al mundo del cine neorealista (Masquerade ball, Laurel leaves, pt.2), o al universo personal de un nuevo crooner tipo Tom Waits (Laurel leaves, pt.2; Chalk smiles). Momentos de mayor intimidad (Cysted tears, City of sirens) o con mayor intensidad (Tales of a napkin´s corpse). Por momentos se roza con el mundo de la música electrónica, pero haciéndose acompañar de instrumentos clásicos (La victoria de Bahamontes, Graphite nights). Disco, en definitiva, ameno y enriquecedor, de matices un tanto oscuros; para disfrutar de forma relajada intentando saborear todos sus registros musicales, que no son pocos. Puedes descargar el disco gratuitamente desde aquí.
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The Twees: Lessons to connect (Ep, 2009)

Al hablar de una banda joven como The Twees es inevitable la comparación con bandas mayores o ya establecidas. Máxime cuando el sonido del grupo sea tan fácilmente reconocible como lo es en esta ocasión. En cualquier caso, y dado que nos enviaron gentilmente un mail a nuestro blog, les vamos a dedicar este pequeño espacio en nuestro post de hoy. Originarios del barrio de Brooklyn, epicentro musical de los últimos tiempos en los Usa, The Twees son un joven grupo que destila energía a raudales en su sonido, en el cual encontramos ecos puramente neoyorquinos, a saber, Talking Heads, Television, The Strokes, mezclándolos con la energía juvenil que desprenden los primeros discos de The Libertines o Franz Ferdinand. Yo los veo más bien como una representación de los últimos coletazos que este tipo de sonidos que algunos dieron en llamar Post-Punk Británico o simplemente Rock-Británico, mezclados con esa particular visión de hacer Pop que se estila en los ambientes neoyorquinos, combinando el tono cool con esos sonidos de guitarra chispeantes, tan propios de gente como The Strokes. Cuatro temas que pueden agradar a un público acostumbrado a este género y que si por algo destacan es por su alto aporte energético. Puedes descargar de forma gratuita el disco, dándote de alta aquí.
"Turn Up The Sound favorites, The Twees, recently released their new EP...and it's fantastic! Their EP entitled 'Lessons To Connect', mixes pop and indie rock reminding you of a mixture of The Strokes and Franz Ferdinand, 'Full Circle' showcases this comparison the most out of all the songs. Head bopping beats and catchy lyrics make 'Lessons To Connect' one of the years best releases, it's a shame more people have yet to have discovered The Twees. 'Full Circle', 'Different Pages', 'Start Again' and 'Lessons to Connect' are the songs that make up the EP, each one stands out in their own unique way. The Twees have it down to a science, they have written songs worth listening to, songs that are sure to catch your attention. We're telling you, The Twees are going places, it's best you join them." (turnupthesound.ning.com)
"With a name like “The Twees” there’s no getting around these NYC youngsters being the go-getting indie/pop/post-punk. But that’s too easy and there is something really worthwhile about these dudes, their chirpy guitars recall something of Fool’s Gold (afro-beat) variety.However, the Jason Abrishami’s vocals dial notions of a young Lou Reed, with more emotive qualities.
There are moments verging on “Lo-Fi” in their older tracks, and some more punchy math type guitars, always accompanied by Logan Sorrentino consistent drums. The highlights are when they loosen up by vocal distortion through emphasis (refer to I’m Not Saying). The new EP signifies a serious turn for these gentlemen, they are making music for the pop-kids of now. Above all of these is that The Twees are young dudes, who still have things to prove, which will be no major feat for them, listen to them while you lick the salt before the tequila." (livinginatree.com)
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