Cerys Matthews: Don´t look down (2009), Rainbow City Records

En la vida hay personas a las que se les presenta una nueva oportunidad cuando menos se lo esperan. En el mundo de la música suelen ocurrir esas segundas oportunidades a músicos que andaban más o menos perdidos o errantes y, de repente, se les aparece la oportunidad perdida en forma de canción inspirada, de álbum redondo o simplemente de campaña de marketing. En el caso de Cerys Matthews, el mundo de la música le ha ofrecido esa nueva oportunidad -aunque igual nunca ha desaparecido del todo-, para reaparecer con este tercer disco en solitario. Un disco en el que la cantante y compositora galesa hace gala de una cierta frescura que muchos habríamos dado ya por perdida. Una serie de temas que pueden coquetear tanto con la escena indepediente como con la masiva. Una especie de querer reclamar su sitio, ese espacio que nuevas cantantes como Duffy pareciera que le hayan querido arrebatar. Tras varios escarceos personales, avatares psicológicos, un divorcio, y un paso por la música Folkie, de pronto le surge la oportunidad de presentar un show radiofónico y de reengancharse al mundo de la música con este Don´t look down (Rainbow City Records, 2009), un disco que, sin sorprender sobremanera, sí que mantiene un tono medio de cierta cordialidad y frescura que hace que se deje escuchar con facilidad. En él, Cerys hace gala de un nivel compositivo más que aceptable, y de esa voz personalísima que sí que mantiene toda la frescura de los tiempos -grandes tiempos- de Catatonia, pese a que el número cuatro ya aparece en su matrícula. Desgraciadamente, no todos los temas tienen ese nivel notable y algunos están lastrados por una producción un tanto recargada: Oranges to Florida, Salutations, It´s was left (that makes it right), Heron. Afortunadamente hay otros donde sí aparece la inspiración: Arlington way, con un toque de distinción de banda sonora, es un gran single. Aeroplanes, que pasaría por cualquier tema de Pop adolescente, adornado con un aura de guitarras ensoñadoras y un crescendo instrumental que acaba con unos arreglos de cuerdas muy interesantes. Spider and the fly -nada que ver con el tema de Jagger-Richards- es un medio tiempo algo Retro en el que la voz de Cerys es un instrumento más y destaca sobremanera. Smash the glass es de inspiración Spector, con ese ritmo tan marcado y característico que tan de moda ha vuelto a ponerse este año, y que nos recuerda al Pop femenino de los sesenta mezclado con un aire a lo Saint Etienne. A captain needs a ship tiene un cierto parecido a algún tema de Beck tamizado por la sensibilidad femenina de Cerys. Evelyn es en mi opinión, un temazo, una preciosa balada en la que la voz sensual de Cerys nos desarma y conforma un tema absolutamente brillante y arrebatador en el que por medio nos encontramos con retazos psicodélicos. Disco con altibajos pero con en el que Cerys Matthews ha realizado una suerte de catarsis con su vuelta a Londres y a la escena musical, ha sido grabado entre Nashville, Seattle y Londres y editado tanto en inglés como en galés.
"Welsh songbird Cerys Matthews, once voted the Sexiest Female in Rock (Melody Maker 1999) must be cockahoop with her new album. Don't Look Down is a drastic shift from her debut solo, Cockahoop and its follow-up Never Said Goodbye.
Her first album was deeply rooted in her then surroundings in America, when she was married. Her return to Wales (and now London) has brought a much bigger musical vision set in the 60s and occasional dips into her ex-band's repertoire. There's no attempt to become another Duffy however, though I'm sure she's noticed what her compatriot has been up to.
After several ups-and-downs following her departure from Catatonia - a divorce from Nashville record producer Seth Riddle, a relocation to her beloved Wales and much publicised fling with an I'm A Celebrity...contestant, this album acts as a form of catharsis.
On the lush 60s Into The Blue she declares," I'm not looking for trouble, trouble always finds me," though her spirit remains upbeat.
In a recent showing on BBC 1's The One Show, she admitted it was an album of positives, hence Don't Look Down.
Broadening her musical horizons, Matthews includes some huge production values a la Phil Spector found on the cinematic sweep of Arlington Way, a strong single in the making. Those soundscapes are littered masterfully across the entire collection however.
Keeping the retro-feel, there's also nod in the Motown direction on perky dance -bound Smash The Glass, while sweet filigree ballad Aeroplanes veers towards a '68 mood, providing our Cerys with one of her best vocal performances ever.
There's a grittier epic touch to the laidback Spider And The Fly whereas It's What's Left is mostly chaotic hi-octane pop proving the lady can still pack a punch.
Salutations takes the form of a desperately lonely mum noting a diary to a smooth and stylish sweep and hushed voice: the jewel in the crown. Then she goes all bold and brassy like some of her Catatonia days on punchy A Captain Needs A Ship, with edgy Heron hinting at 40s angst.
Matthews has written some great pop singles...but this is her best work to date, no question.The verdict - Very, very impressive" (allgigs.co.uk)
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Ex Norwegian: Alternate Stand By (2009), Dying Van Gogh

Roger Houdaille, líder y compositor principal de Ex Norwegian, en vista de que muchas de sus canciones andaban rodando por la red en formato demo, decidió tomar el toro por los cuernos y editar este Alternate Stand By, utilizando la interesante plataforma BandCamp y así apuntarse a la moda de este año de editar un disco y una continuación más o menos inmediata, debido al éxito del primero. Lo cierto es que este Alternate Stand By no está nada mal, aunque sin duda desmerece a Stand By, uno de los mejores discos de Power-Pop del año, mucho más cuidado y arreglado, aunque así el grupo de Florida se mantiene en la actualidad musical y los seguidores sabemos cómo se gestionó el mismo. Interesante pero no imprescindible.
"Tracks from a supposed “alternate” Standby, Ex Norwegian’s debut album, have been floating around the net for a while now, which may be because such an album has been in the works for some time. Roger Houdaille, lead singer-songwriter of the band, has decided to release the alternate album – which consists primarily of his home demos – thru an innovative and well designed indie D.I.Y. retailer BandCamp Stream the album for free, or name-your-price downloads, entire album starting at $5." (MySpace)
Tracklist:

1. Fujeira In My Dreams (demo) 02:44 info download
2. Sigur Ros Banana (demo) 03:25 info download
3. Something Unreal (demo) 02:07 info download
4. Fresh Pit (demo) 02:05 info download
5. Pow3rfull (alternate version) 02:17 info download
6. Sudeki Lover (original version) 02:50 info download
7. Sudeki Lover (demo) 02:37 info download
8. Add Vice (demo) 03:24 info download
9. Gross You (demo) 02:01 info download
10. Dance Trance Pants (demo) 02:58 info download
11. All Over Again (demo) 03:03 info download
12. My Name Is Paul (demo) 03:24 info download
13. Ginger, Baby (outtake) 02:54
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Afternoon Naps: Orange paw (2007)

Afternoon Naps: Parade (2009), Happy Happy Birthday To Me Records

Para inaugurar la semana vamos a hablar de uno de esos grupos que alegrarán los oídos de muchos de los que escribís Blogs de los que aparecen en la columna de la derecha bajo el nombre de Jangle-Roll: Afternoon Naps, dúo afincado en Cleveland, Ohio, que factura una suerte de Pop de plastilina, Twee-Pop lo llaman muchos, canciones deliciosas los que más. Inocencia cargada de sentimientos en sus letras, buen hacer melódico y... curiosamente, sin apenas distorsiones. Los amantes del C86, de sonidos de Pop-Barroco tipo Left Banke o de las delicias de Brian Wilson, estáis de enhorabuena, pues con este Parade (HHBTM, 2009) os vais a relamer degustando los diez estupendos manjares que la banda liderada por Thomas Dechristofaro y Leia Hohenfeld nos ha preparado para este segundo álbum de la banda. El disco contiene auténticos platos del más exquisito Pop: Plum city fight song, que es una especie de oda-homenaje a Morrisey. Beach bum es otro tema arrebatador, con clásicos sonidos de teclados-retro y ritmos que recuerdan a la factoría de Phil Spector, mezclados con las melodías de Orange Juice o Shop Assistans. Algo semejante a la siguiente: The day we started, canción de desamores juveniles y preciosa guitarra jangle. Mitten fingers es algo más taciturna y reflexiva, también con buenos arreglos de teclas y ecos de Bowie. Seasons may change es claramente afín al C86 y las guitarras de The Pastels. Catholic school tiene ese mismo deje retro de The day we started, con cuitas sentimentales entonadas por la protagonista femenina y un teclado muy enloquecido que tiene mucho que ver igualmente con los grupos de Bubblegum y las bandas de chicas de los sesenta. Bubblegum 45 es una clara rendición a ese tipo de sonido que hemos mencionado anteriormente, y tiene algo también de la música francesa de los sesenta. Se cierra Parade con Digitally altered sunset, tema más acústico que se aleja algo del concepto general del álbum, y va más en una onda Left Banke, pero que sirve para que comprobemos hasta qué punto tiene el dúo afinadas sus voces. Disco, en definitiva, altamente adictivo y que sin duda repetiréis en vuestro reproductor los más aficionados al Pop más intemporal y menos pretencioso. Recomendable.
"The first three tracks of Parade provide the perfect introduction to Afternoon Naps, a rust belt pop band that has been bringing sunshine pop to their gloomy post-industrial climes since 2006. “Plum City Fight Song,” the band’s homage to their hometown, begins the album with a healthy dose of guitarist Tom Dechristofaro’s Moz-lite vocals, while the third tune, “The Day We Started,” provides a crash course in the moonstruck glee of keyboardist Leia Hohenfeld. Sandwiched between these songs, “Beach Bums” finds the duo sharing the vocal burden more equally, a combination as blissful as it is an accurate foreshadowing of the album’s additional seven tracks. Though several nuances exist song to song, the overall album is a notable for the consistency of its joyful, simple, and smart music. In a word, Afternoon Naps-style pop is perfect.
Though not intended as anything remotely like a concept album, Parade might reasonably be considered one, as it is a jangly, jumbly bit of songs about relationships in various stages. From first moments and late night kisses to break-ups and longing, the album could quite aptly be the non-linear soundtrack of the rise and fall of a lost love. For every track like “Beach Bums,” which references frustration with a relationship that resists resuscitation, and “Seasons May Change,” about the confusion and unanswered questions that accompany every failed relationship, there is a song like “The Day We Started” and its ode to first encounters or “Mitten Fingers,” a song that accompanies the tale of one simple tender moment with a slight Cardigans vibe.
Throughout the record, the listener faces a constant battle in determining whether the best part of any given song is found in the music or the lyrics. Both Hohenfeld and Dechristofaro are sublime songwriters, but are both equally proficient at their respective instruments (as are drummer Craig Ramsey and bassist Mike Allan). For example, in my favorite track (”Beach Bums”), one is torn between more strongly loving the flying bass and uber-danceable closing organ jam or the many killer lines, from “you’re written like an apology/and put the blame on cartography” and “at the point of our happenstance/I find myself indifferent.” Indeed, Dechristofaro’s delivery is the only imaginable version that could rhyme “happenstance” with “indifferent” and not make my eyes roll. Instead, it makes me think … “awesome.” Similarly, on “The Day We Started” I’m equally taken with the vintage croon of “si-i-i-gn” as I am the organ’s delightful lilt, while on “Catholic School” I’ll never know whether a line like “but they can’t teach a schoolgirl how to kiss to a song” is better than the revved-up 50s girl group instrumentals paired miced-down vocal mix, or vice versa. Overall, I’m inclined to go with the vocals – you can’t beat the 70s pop “bah bah bahs” on “Bubblegum 45,” the pitch-perfect duet on “Discoverse,” and Dechristofaro’s wise plea for a new lover to “stay my dear/I see magic here” on “Plum City Fight Song” – but the band operates so lightly and tightly any forgotten compliment seems like a critical betrayal.
It is when I try to decide who Afternoon Naps remind me of, I’m fully struck by their contribution and potential. While Dechristofaro’s vocals frequently call to mind a leaner Morrisey, there are other moments (particularly on “Mitten Fingers”) when I find myself thinking Bowie, the band moves fluidly from disco-pop (”Discoverse”) to songs that call to mind acts as disparate as The Turtles (”Bubblegum 45″), The Monkees (”The Fall Companion”), and The Sundays (”Digitally Altered Sunset,” the album’s closing track that shows off arrangement skills in a way the rest of the album, however brilliant, does not). Whatever the reference you find as you listen, I think you’ll agree that on Parade, the band does an excellent job of putting the listener back in key moments in the romantic development of their youth and, for some, the tender and vulnerable moments of adulthood" (citizendick.org)
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Oír/Hear - Afternoon Naps: Bech bums

Monterey International Pop Festival, Part-7/9

Fragmentos de la actuación incendiaria que The Who ofrecieron en el festival de Monterrey en Junio de 1967. Tened en cuenta que la banda no era del todo conocida en territorio norteamericano y que éste fue su escaparate para serlo. La apoteosis ruidoso-destructiva del final del concierto con My generation es absolutamente demoledora.

Monterey International Pop Festival, Part-7/9

Para este fin de semana en el Retro-Visor le toca el turno a la séptima entrega del Monterey International Pop Festival. En ella aparecieron como grupos estrella Buffalo Springfield y The Who. Para Buffalo Springfield fue una de las pocas apariciones ante una audiencia tan enorme, ya que su corta existencia haría que en breve el grupo se disolviera y dejara un legado tan importante como el que la misma banda había generado. De ella surgieron grupos tan interesantes como Crosby, Stills, Nash and Young; Manassas; Poco; Loggins & Messina; Souther, Hillman, Furay Band. Está claro que la existencia de Buffalo Springfield estuvo permanentemente salpicada de una lucha de egos tan enorme que su mejor salida fue la disolución. Baste decir que en Monterey no actuó Neil Young con la banda, apareciendo el inefable David Crosby en su lugar. Enmedio, tres discos espectaculares de los que hablaremos en The JangleBox.

The Who tuvieron una existencia más longeva si bien la época más brillante fue justamente la que les llevó hacia la costa oeste norteamericana, el período post-mod y pre-psicodélico, y desde luego anterior a su época más megalómana de sus Operas-Rock. El festival supuso también la mejor manera de introducirse comercialmente en el mercado norteamericano una vez editados los que quizás sean sus dos mejores álbums: A Quick one (1966) y The who sell out (1967). Disfrutad ahora con algunos vídeos de los grupos en el festival.

Disc 7 (Sunday Night 18.06.1967)

THE BLUES PROJECT
1. The Flute Thing

JANIS JOPLIN AND BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY
2. Combination of Two

BUFFALO SPRINGFIELD
3. Introduction
4. For What It’s Worth
5. Nowday’s Clancy Can’t Even Sing
6. Rock & Roll Woman
7. Bluebird

THE WHO
8. Substitute
9. Summertime Blues
10. Pictures Of Lily
11. A Quick One
12. Happy Jack
13. My Generation
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Beck: Songs of Leonard Cohen (2009), XL

Pues sí, amigos, está ya entre nosotros el enésimo proyecto musical de Beck Hansen, y el disco número...?? del inquieto músico norteamericano. Y ante ello, personalmente he de decir que me niego a prestarle más atención de la necesaria. Como ya expuse en su momento en The JangleBox, la sobreexposición y el saturamiento pueden llegar al hastío. Pues para el que escribe, ese cansancio ya ha llegado, y considero que tanta producción en un breve espacio de tiempo lleva ineludiblemente al tedio. El segundo volumen de su "Record Club" (esa reunión de amiguetes que se juntan para versionear en un día un determinado clásico de la música), acaba de editarse. En esta ocasión han elegido un recopilatorio de Leonard Cohen: Songs of Leonard Cohen, y el resultado, pues al estilo Beck, bueno, en esta ocasión algo más edulcoradete, facilón y algo Lounge. Los amiguetes, pues los de casi siempre: Nigel Goodrich, Devendra Banhart, MGMT, Jeff Tweedy... En definitiva, (y me duele decir ésto sobre Beck), que no va a pasar nada si te lo pierdes. Por cierto, Beck ya anuncia un tercer volumen, esta vez dedicado al músico Skip Spence. Esperemos por lo menos que comience el año para editarlo. Puedes conseguir el disco y los vídeos desde su página oficial Beck.com o buscando el enlace en el post, como siempre.
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The Mary Onettes: Puzzles (Live performing, from Islands, 2009, Labrador)

The Mary Onettes: Islands (2009), Labrador

The Mary Onettes están de enhorabuena. Acaban de editar su segundo larga duración y su tema Puzzles es candidato a estar entre los lugares privilegiados de muchas plataformas musicales como Elbo, blogs musicales, revistas, etc. Alguna de sus canciones seguro que aparecerán en breve en series tipo Lost, Anatomía de Grey... No seremos demasiado prolijos en hablar de este Islands. Tan sólo deciros que si os gusta la onda sonora cercana a los ochenta más ampulosa, recargada, de producción grandilocuente y arreglos de teclados-metales inverosímiles... éste es sin duda vuestro disco. Si aberráis de todo lo dicho anteriormente y pensáis que gentes como Duran Duran o lo más comercial de The Cure le hicieron un daño irreparable a la música, pues entonces no se os ocurra oírlo más de dos veces, como nos ha ocurrido a nosotros. Conservaremos nuestras energías para producciones más saludables para nuestros oídos.
"When we last left the Mary Onettes, the Swedish quartet was diligently channeling the sounds of the 1980s without a lick of the irony that often imbues such revivalism. Their retro moves seemed less about building upon the decade's musical legacy as encapsulating its finer points for consumption by a new generation. Which, hey, was a perfectly cool way to go about things. At their best, the band positively nailed the bruised romanticism and exquisite melancholy that marked a certain strain of that decade's best pop, and besides, most of the signature propagators of said pop were by then long gone or, worse yet, distant shadows of their former selves. Plus it's not like you'll catch any of the old guard in the tiny-ish clubs and early-afternoon festival slots the Mary Onettes are used to playing, so for those seeking stadium-sized grandeur in parlor-intimate spaces, the band has something relatively unique to offer. The self-titled The Mary Onettes from 2007, in fact, turned out not unlike many records from the era it emulated: several excellent singles or would-be singles ("Lost", "Slow", "Void", "Under the Guillotine"), the token slow jam ("The Laughter"), an effective opener and closer ("Pleasure Songs" and "Still", respectively), and, well, some not terribly memorable stuff in between. All of which makes Islands, the Mary Onettes' follow-up, an at once enchanting and frustrating listen. Yes, the high points of the previous record are duplicated here-- but so too are the same problems that occasionally bogged down that record.
Opener "Puzzles" actually betters The Mary Onettes' lead track, the great-tune-with-questionable-lyrics "Pleasure Songs", galloping along on a spritely keyboard riff and setting an appropriate tone for the nine tracks to follow. "Let's talk about what feels strange on the inside," vocalist Philip Ekström offers, an apt enough invitation to the scores of disaffected youngsters with which this sort of music has always resonated best. "Dare", "Symmetry", and "The Disappearance of My Youth", then, are the hot singlez here, and each has the band showing off a few new tricks. "Symmetry" gets extra sentimental with the strings, "Dare" soars near the heights of "Lost" on the strength of plenty of "ooohs" and "ahhhs", and "Disappearance" features-- what else?-- a children's choir joining in to sing the title line. Their brief major label dalliance a half decade behind them, it's clear the Mary Onettes' ambitions haven't wavered in the least. Elsewhere, a few numbers-- notably the slow jam ("Cry for Love") and the closer ("Bricks")-- fall short of their counterparts on LP1. The former lacks the poise and grace of "The Laughter", while the latter generally sounds like a limp rehash of several earlier tracks on Islands, very much in want of a distinguishing feature. At least "Still" settled on a strident march beat that evoked a spirited departure off into the sunset (or, better yet, the rain); "Bricks" just kind of meanders off in a mid-tempo haze.
Indeed, distinction would serve the rest of the tracks on Islands well; as on The Mary Onettes, the stuff in between here tends to drift by largely unnoticed. Ekström has stated that the title Islands refers to how "every song is like a record of its very own," and ironically this is perhaps the biggest snare this time around: without a sonic story arc of sorts to create continuity across Islands, we're encouraged to hold the tracks against one another (hence the partitioning above into "great" and "just okay" camps) rather than consider them in relation to the whole of the album. In short, somebody needs to introduce these guys to transitions, interludes, intros, outros, deliberate sketches, ambience, that sort of thing (although, in fairness, Islands does open with a nice bit of panoramic, cloud-parting feedbackery)-- a means to more effectively tie all these so-called "islands" together. The otherwise unremarkable "Century" includes a telling line: "I've never been good at holding back," Ekström declares there. Until he is, the Mary Onettes will likely remain a killer singles band that makes just pretty good albums" (pitchfork.com)
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Wild Honey: Brand new heirdo (from Epic handshakes and a bear hug, 2009, Lazy Recordings)

Wild Honey: Epic handshakes and a bear hug (2009), Lazy Recordings

Para comenzar la semana hemos preparado un plato muy especial en nuestra gran cocina musical. Celebramos la edición de Epic handshakes and a bear hug, el disco de debut de Guillermo Farré, bajista igualmente de Mittens y ante todo músico inquieto. Su debut llegó a nuestras manos gracias a Claudia Ortiz (mil gracias desde aquí) y tan sólo el empeño que han tenido en que el disco navegara por los principales blogs de música es tan loable que sólo por eso merecería la pena hacerle una reseña. Pero es que el contenido destila una elegancia tal y un gusto por el buen hacer que no hemos podido resistirnos a la tentación de oírlo detenidamente para emitir el buen juicio que en nuestra opinión merece. El álbum es, como acertadamente mencionan en la nota de prensa que nos adjuntaron, un homenaje a la música, algo así como la realización del sueño de cualquier buen aficionado de la música del siglo veinte y lo que llevamos de esta nueva centuria. Un conglomerado de influencias, detalles, sonoridades, un puzzle elaborado con los mejores ingredientes que se pudieran encontrar en las estanterías de cualquier buen melómano. El disco comienza de forma relajada, con Whistlisting, un medio tiempo de aires nostálgicos y acústicos que en seguida comienza a acumular instrumentaciones y esos detallitos a los que antes nos referíamos, pequeños destellos sonoros que en ocasiones duran segundos pero que contribuyen a realzar la belleza de los temas de Farré. El siguiente tema continúa en la misma línea a medio camino entre intimista y acústica: 1918-1920, acentuando la melancolía en sus letras. To steal a piece of art es ya un tema más animoso, muy en la línea de Pop-Sofisticado que realizan gentes como BMX Bandits en sus últimos tiempos o cantautores eléctricos como Sufjan Stevens. The big parade es una especie de nana-vals en la que el intimismo vuelve a tomar el protagonismo. Sería prolijo mencionar influencias y huellas sonoras puesto que todas ellas han tomado un cuerpo homogéneo en todos sus temas. Por hablar de algunas, mencionadas por el mismo Farré, tomariamos el espíritu del White Album, los Beach Boys más conceptuales (el nombre del grupo proviene del de un álbum de los californianos), Carpenters, Mancini... Gold leaf es una bossa-nova que además posee todo el aura de sofisticación y elegancia de cualquier película con la banda sonora de Mancini y Audrey Hepburn como protagonista. La voz femenina contribuye a crear esa huella absolutamente irresistible. Hal Blaine´s beat (que era un batería de estudio de las décadas de los ´60 y ´70, según cuenta su nota de prensa), es un tema absolutamente redondo de principio a fin, tiene una sonoridad increíble, sus teclados tipo mellotron son impecables, sus voces angelicales, en fin, la mejor elección como primer single. Brand new hairdo repite los esquemas de la nana-vals acústica anterior. Isabella es tema pegadizo con sones folkies y norteamericanos. No en vano el disco, pese a estar grabado en un estudio casero, está mezclado y producido en Nashville, junto con Brad Jones, responsable del sonido de gentes como Ron Sexmith, Josh Rouse, Steve Earle o Matthew Sweet, plana mayor e influencias sonoras del disco. My bride in black gloves tiene también aires countries, pero mezclados hábilmente con el Lo-Fi-Pop de los Pavement de su época intermedia-final. Kings of tomorrow es otra de las mejores del disco, también con ese aire algo arrastrado que la banda de Stephen Malkmus solía realizar. One word prayer es un tema que va de menos a más, a manera de banda sonora, a las que nuestro protagonista es también aficionado. La suma de instrumentos acaba en un bonito dos por tres orquestado que ha quedado muy coqueto. Done it forever es un corto tema que sirve de epílogo sonoro y cierre a este disco de debut que, en contra de lo habitual, es un disco estudiado, absolutamente brillante y con una producción que en ningún momento resulta pesada o aplastante, sino más bien todo lo contrario, todos los detallitos de los que hemos ido hablando se adjuntan y van apareciendo y desapareciendo dejando la huella necesaria y embellecedora. Gran disco absolutamente recomendable. Como curiosidad, aparecerá en formato de vinilo, adjuntándose el Cd. Os aconsejo que lo consigáis. Igualmente se puede descargar en alta calidad desde aquí. Este 20 de noviembre actúan en La Riviera de Madrid, y el 18 de diciembre en Neu! Club, también de la capital. "El disco se mezcló en siete días, en el estudio de Brad Jones, “Alex The Great”. Desde el primer día, la sintonía con Brad Jones fue total, que bautizó la música de Wild Honey como “cosmic bedroom music”. A primera hora de la mañana los dos hablaban de las canciones con las que iban a trabajar ese día, Guillermo se iba a dar una vuelta por la ciudad hasta la hora de comer y, tras una comida relajada, repasaban juntos el trabajo realizado (...)El resultado es un disco que rezuma amor por la música. Se pueden escuchar ecos del Brill Building, The Zombies, el primer Scott Walker, las bandas sonoras de Sherman Brothers para Disney, Michel Legrand, Curt Boettcher, música Bubblegum, toda la línea que va de la música sentimental y alegre de la América de primera mitad del siglo XX a un Sufjan Stevens de bolsillo o Jens Lekman con mirada y voz inocentes. Pop arreglado que pretende ser bonito y lo es, canciones redondas, arreglos cuidados y homenajes.
La canción de adelanto ha sido “Hal Blaine’s Beat”, sobre el famoso ritmo del “Be My Baby” de las Ronettes. Hal Blaine era el batería del que fue el mejor grupo de sesión de la historia: The Wrecking Crew (les puedes escuchar en los discos de los Byrds, Sonny and Cher, Nancy Sinatra, Simon & Garfunkel, The Association, The Ronettes o, otra vez, los Beach Boys)" (Nota de prensa)

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Headlights: Wildlife (2009), Polyvinyl Records

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Intimistas, poéticos, acústicos, poperos... cualquiera de estas etiquetas valdría para encuadrar la música y el sonido de este combo norteamericano de Illinois, poco amante, sin embargo, de utilizarlas. A medio caballo entre el Pop-Folk y el Pop con reminiscencias ambientales, a lo Fanfarlo, el tercer álbum de la banda sí que está dominado por una nota en común: el intimismo (Wiscosin beaches, We are all animals), y los medios tiempos con ambientes acústicos ambientados por una tenue red de sonidos de teclados que hacen de este disco, como ellos mismos reconocen, una perfecta transición del verano al otoño, una bonita reflexión sobre las relaciones humanas, no sólo las amorosas. Los juegos de voces chica-chico son también otra de las constantes positivas durante todo el disco (Teenage wonder, Slow down town). Las canciones que más nos han agradado son aquellas más animadas, en los que la banda saca a relucir su influencia más Dream-Pop: Telephones, precioso tema en el que podríamos confundir su sonoridad con la de grupos de los países nórdicos, tal es la belleza de su sonido, sencillo y vagamente aderezado por algunos teclados. You and eye y Dead ends presentan semejante sonido, aquí con unos medios tiempos (ritmo en el que mejor se maneja el grupo adornados por un sonido más ambient). Get going tiene un aura algo más feliz, veraniega y soleada, y podría encajar, por ejemplo, en Songs from Northern Britain de Teenage Fanclub. El sonido se vuelve más taciturno para entonar Love song for Buddy, especie de nana adornada con tecladitos a lo Velvet: Gran tema. Y la que es para quien escribe, la mejor canción del álbum: I don´t mind at all, el corte más animoso de la colección y en la que aparecen las guitarras más mordientes -su solo es sumamente parecido al de alguno de Yo la Tengo-, arropado por un ritmo muy machacón. Disco, en definitiva, para disfrutar con calma, melancólico, pensativo e intimista, del que nos gusta más su primera parte, pero en cualquier caso, perfecto para disfrutarlo en una tarde otoñal como las que se avecinan.
"The first track on Headlights' newest album is called "Telephones", but there are a half-dozen other songs on Wildlife that could've feasibly been titled the same. Phones are all over the indie pop band's third full-length effort: they ring with no one to answer them; calls are short and only reinforce the distance, both literal and emotional, between yourself and the ones you love. The telephone serves as the great motif and most pernicious tool in reinforcing the album's overriding theme, which is how frail, fraught, and difficult to maintain the connections are between family, lovers, and friends.
You may be thinking this synopsis sounds pretty heady for an indie-pop record, especially coming from a band that rather guilelessly trumpets itself as "Indie Rock for People Who Love Pop" on its web site, and that made its biggest splash to date with a politely infectious single called "Cherry Tulips". It's actually quite easy to listen to Wildlife as a breezily low-key indie pop record if that's what you'd prefer, though that short-sells the group's admirable conceptual accomplishments. Musically, the album is largely loose-limbed and friendly, from the ringing, melodic guitar lines of "Telephones" to the easy sun-kissed vibes of "Get Going" to the almost cheekily hollow trashcan drumbeats of "Love Song for Buddy". "I Don't Mind at All" approximates the tense propulsion of Broken Social Scene, but that's about as sonically pensive as it gets. Even the group's purposefully moody musical bum trips are mostly too benign to really sting, and the album's generally undemonstrative character makes it ripe for an ignorable listen assuming you're not feeling inclined to really dig beneath its placidly shimmering surfaces.
So Wildlife isn't exactly bursting at the seams with earworms, but it's a worthy achievement for taking a poignant, powerful emotional state and carrying its thread for 42 minutes. The band's bio admits Wildlife was a difficult album to make, the recording process marked by a near-total scrapping of material at one point as well as the eventual departure of guitarist John Owen. It seems this tumultuous experience-- along with other, unspecified personal hardships-- deeply affected the outlooks of songwriting principals Tristan Wraight and Erin Fein. More than anything, emphasis seems to be placed on how difficult it is to maintain friendships throughout the passage of time-- maybe it's something as simple as the fact that you're "so far from home" ("Telephones"), or maybe your friends are physically close, but are just "too busy growing old" ("Dead Ends"). Fein in particular tries desperately to break through, pratically breathless in her desire on "Secrets" to know another's darkest moments and deepest agonies. By the end of Wildlife, it's almost as if the effort of trying to connect and understand has left everyone emotionally exhausted-- without wallowing in nostalgia, the closing "Slow Down Town" muses on "Easier times/ When your friends were around/ And they called you on the weekend/ And you knew where all the people hung out." If you've stayed with Headlights this long, chances are when the record ends you yourself will be grabbing a phone and making a call, and hoping you don't get sent to voice mail" (pitchfork.com)
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Ravi Shankar: Dhun (Dadra and fast teental), part-2 (Live at Monterey International Pop Festival)

Monterey International Pop Festival, Part-6/9

El Retro-Visor de este fin de semana continúa vislumbrando la Mega-Retrospectiva al Festival Internacional de Monterrey celebrado en Julio de 1967. En esta ocasión, la parada nos conduce a detenernos en el disco dedicado al músico hindú Ravi Shankar, quien se había convertido por entonces en una especie de icono de la contracultura o en cualquier caso en un personaje que encarnaba a la perfección el gusto por los sonidos desconocidos por entonces del sitar y la tabla, instrumentos propios de la cultura y la música india. Ni que decir tiene que el gran introductor del personaje en el mundo del Pop fue George Harrison gracias a The Byrds, si bien Shankar ya tenía un bagaje anterior fructífero y había actuado previamente en Europa y Estados Unidos.

"Since 1961, he toured Europe, the United States, and Australia, and became the first Indian to compose music for non-Indian films. Chatur Lal accompanied Shankar on tabla until 1962, when Alla Rakha assumed the role.
Shankar befriended Richard Bock, founder of World Pacific Records, on his first American tour and recorded most of his albums in the 1950s and 1960s for Bock's label. The Byrds recorded at the same studio and heard Shankar's music, which led them to incorporate some of its elements in theirs, introducing the genre to their friend George Harrison of The Beatles. Harrison became interested in Indian classical music, bought a sitar and used it to record the song "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)". This led to Indian music being used by other musicians and created the raga rock trend. Harrison met Shankar in London in 1966 and visited India for six weeks to study sitar under Shankar in Srinagar. During the visit, a documentary film about Shankar named Raga was shot by Howard Worth, and released in 1971. Shankar's association with Harrison greatly increased Shankar's popularity and Ken Hunt of Allmusic would state that Shankar had become "the most famous Indian musician on the planet" by 1966. In 1967, he performed at the Monterey Pop Festival and won a Grammy Award for Best Chamber Music Performance for West Meets East, a collaboration with Yehudi Menuhin. The same year, the Beatles won the Grammy Award for Album of the Year for Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band which included "Within You Without You" by Harrison, a song that was influenced by Indian classical music. Shankar opened the Kinnara School of Music in Los Angeles, California, in May 1967, and published a best-selling autobiography, My Music, My Life, in 1969. He performed at the Woodstock Festival in August 1969, and found he disliked the venue. In the 1970s Shankar distanced himself from the hippie movement" (wikipedia.org)

Disc 6 (Sunday Afternoon 18.06.1967)
RAVI SHANKAR
1. Raga Bhimpalasi
2. Tabla Solo In Ektal
3. Dhun (Dadra and Fast Teental)
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Ravi Shankar: Dhun (Dadra and fast teental, part-1)

The Drums: Let´s go surfing & Remixes (from Summertime, Ep-2009, Moshi Moshi)

Para cerrar estos posts dedicados a The Drums, os acompaño hoy de un detallito que su compañía ha tenido a bien compartir con todos vosotros. Se trata del single Let´s go surfing, que podéis descargar de forma legal, acompañado de las correspondientes remezclas. Desde ya os digo que si os ha gustado el tema original, algunas de ellas son más que recomendables (Nothing but The Girl Mix). Podéis disfrutar de ellas pinchando aquí, o aquí. Si os gustan las remezclas, aquí tenéis algunas para disfrutarlas. MySpace

The Drums: Let´s go surfing (Live, from Summertime, Ep-2009, Moshi Moshi)

The Drums: Summertime (Ep, 2009), Moshi Moshi

Que en el barrio neoyorquino de Brooklyn se cuece lo mejor del panorama musical y cultural de la actualidad norteamericana no es ninguna novedad a estas alturas del partido. Resulta sorprendente la cantidad de grupos, muchos de ellos buenos, que surgen de aquellas latitudes en los últimos meses. The Drums es otra firme confirmación de ello. Se trata de un cuarteto surgido de la reunión de miembros de antiguas bandas (Elkland, Horse Shoes) que facturan una suerte de Electro-Pop influenciado por el Dream-Pop, la New Wave y el Surf y las melodías vocales de la música de los cincuenta. Según he leído por ahí, una suerte de New Order californianos, con la paradoja de que el grupo reside en la metrópolis de New York. Un debut enérgico, fresco y que combina los elementos diversos para, en su conjunto, dar una impresión de novedad. El NME ha llegado ha decir de ellos:"New York's official Coolest New Band...this might be the most contagiously energetic NYC band of the past 10 years". Bien, los más puristas me diréis que el NME ya no es lo que era, pero cuando el río suena... Lo cierto es que el disco debut de The Drums tiene una energía contagiosa que últimamente sólo habíamos encontrado en los discos de The Boy Least Likely To (con quienes guardan un parecido sonoro más que evidente) o con The Pains of Being Pure at Heart, que llevan otro estilo. Para hablar someramente de sus temas, os diré que los más arrebatadores son Let´s go surfing (con su dedicatoria personal al presidente) y Saddest summer, tremendos pildorazos energéticos de Electro-Pop vitaminado que nos recuerdan a gentes como The Least Likely To, como dijimos anteriormente, por su tratamiento sonoro y el concepto de los temas, con un buen rollo latente. Si nos remontamos atrás, y por qué no, citaremos a un grupo español un tanto infravalorado como fue Meteosat, que hicieron de la ironía y el buen humor su bandera utilizando más o menos sus mismas armas Electro-Pop. Make you mine y Don´t be a jerk, Jonny y Down by the water son algo así como si a Robert Smith le diera por cantar música Surf, aderezando la mezcla con el factor horterilla de Wham! Submarine es un buen tema, algo más seriote, y ahí es donde les sale la venilla neworderiana, y lo cierto es que no se les da nada mal. Disco, en resumidas cuentas, altamente adictivo y más que recomendable. Como siempre digo cada vez que comento un Ep, me parece uno de los formatos más acertados en estos tiempos de ingestión musical masiva, ya que nos encontramos con el número justo de temas para no tener que seleccionar algunos. En este caso en concreto, no sacrificamos ninguno.
"This seven-song debut from American band The Drums far transcends the hinderances of such quibbles as the tedious band name and unseasonally sunny thematics. Putting the 'wave' into new-wave, 'Let's Go Surfing' combines whistle-along '50s melodies with skeletal, minimalist production that's a little reminiscent of Martin Hannett's sound. In fact, at times this is a little bit like Vampire Weekend reimagined as a Factory Records band. The combination of frosted-over electronics with dislocated, waifish guitar melodies works a treat on songs like 'Don't Be A Jerk, Johnny' and 'Saddest Summer' - the latter sounding a bit like a paradoxically cold, early-eighties take on Girls' recent triumphs in euphoric pop classicism. There's some real promise here, and Moshi Moshi might just have struck gold again with this lot; more or less any one of these songs would make a stellar single. Highly recommended" (boomkat.com)
"If you're looking for some unseasonable sunshine in your life or need an emotional pick-me-up, then say hello to The Drums - The musical equivalent of a Californian New Order . This New York based group fuse the sunny sounds of American surf pop, and the tight percussive grooves of Factory Records -style post-punk, then add an occasional A-Ha -style synth stab or heavy 80's snares to create irresistibly sunny pop music.
Summertime! is The Drums ' debut release, and it's filled with songs about surfing, friends, love, and wholesome partying. It's like Robert Smith on anti-depressants, or drinking Fanta . The perfect side dish to a sunset, a city bike ride" (wearehunted.com)
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The Artic Flow: December morning (Ep, 2009), Holiday Records

The Artic Flow es el proyecto musical de Brian Hancheck, músico de Carolina del Sur, quien graba y produce sus propios discos, tres Ep´s hasta la fecha y un recopilatorio de su sello en el que también aparecen temas suyos. Éste es el último de ellos, un precioso Ep de cuatro temas que se encuadran a la perfección en todo este movimiento que supone el resurgir del Shoegaze en estos últimos tiempos. Melodías perfectas, guitarras distorsionadas y con infinidad de efectos, y un claro sentido del medio tiempo tirando a realizar canciones algo "arrastradas", algo lánguidas pero con la suficiente energía y lirismo que hacen que resulten interesantes. Las influencias son muy claras: Cocteau Twins, Slowdive, Chapterhouse, Ride... los clásicos del género cuando de Shoegaze hablamos. El tema que mejor resumiría su sonido en el disco sería Sentiments and artefacts, preciosa canción que evoca sentimientos perdidos en medio de una nebulosa de guitarras -he leído que grabó hasta siete pistas de guitarras-, pero que en ningún momento resultan axfisiantes ni empalagosas. December morning es algo más sucia y guitarrera pero conserva el patrón de belleza general del disco. Algo semejante podríamos decir de los dos temas restantes: The stars refuse to shine y Hearts in flight, canciones en las que las guitarras con efectos son las protagonistas absolutas. Cuatro buenos temas que a cualquier buen aficionado seguro que le resultarán cortos. Esperemos que su producción se reúna brevemente en un larga duración. Buen disco.
"We’re fascinated by the various reactions of those artists who pioneered the “shoegaze” sound in the 80’s and 90’s. While they seem split, we have a firm belief. Great songwriting makes for brilliant music, regardless of the genre. While the effects pedals or the production of the song may exactly replicate the sound of a band you’ve heard before, it’s the assemblage of notes that makes any song stand out.
Which brings us to The Arctic Flow. Songs veer from ethereal beauty to pop delicacies while maintaining an dream-like quality (watch us deftly avoiding adjectives like; icy, chilling, etc….) that leaves you with a disconcerted smile…..just the way we like it.
Brian Hancheck is the one-man show behind this avalanche (oh crap, we did it anyway didn’t we….) of sound (...)
TDOA: Can you talk about the challenges of this being a solo project? Do you enjoy being able to control all the parts or do you occasionally wish for outside contributions by adding people to the project?
AF: I guess the biggest challenge is when time is a factor, trying to get everything recorded in such a short time can be crazy. In the past when I used to play with other bands, the challenge was communicating my ideas to others. It’s much easier for me now and it just works. I know it doesn’t work for everyone, but I can’t see it any other way.
On the other hand, I have a couple of projects that I am collaborating on with some other artists, but it’s mostly just a one time thing.
I do wish I had someone to help me on vocals sometimes. You know, someone to sort of coach me along. But, yeah, I enjoy being able to do this on my own. It suites my personality really well. TDOA: It’s easy for writers to make the ’shoegaze’ association, but the shoegaze movement had a lot of different types of bands. Can you talk about the bands that have influenced you the most?

AF: Well, I knew the shoegaze thing would come up. Strange enough there seem to be two schools of Arctic Flow fans, the ones that like the more shoegazy things, like “Sentiments and Artifacts” and ones that like “Untill December”-they’re just pop songs, but with different production. “Until December” which was on the Holiday Records Pop Music Compilation Volume 2, is more Smith’s like guitar pop, without all the haze. So now it’s like having two styles, but I enjoy it. It’s just the way the songs come out. The next release is going to more guitar pop, than the last EP was.
But to answer your question, and I could fill a book, but obviously The Cocteau Twins and Slowdive are two huge influences. The Cure is my favorite band ever, even though I don’t really sound like The Cure. But The Smiths, Map, Chapterhouse, My Bloody Valentine, Ride, Starflyer 59, The Beach Boys, and recently Horseshoes and Victory VIII, have been great influences" (thedumbingofamerica.net)
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Descarga gratuita/Free download (reverbnation.com)

Oír/Hear-December morning

The King Khan & BBQ Show: Invisible girl (2009), In the Red Records

The King Khan & BBQ Show: Invisible girl (2009), In the Red Records

El dúo canadiense The King Khan & BBQ Show resulta de la unión de dos antiguos colegas de banda: Mark Sultan, alias BBQ y Blacksnake, alias King Khan, antiguos miembros de The Spaceshits. Tras la ruptura del grupo, sobreviene la reunión de la pareja y formar este dúo rompedor, que edita ya su tercer larga duración: Invisible girl (In the Red, 2009). Su formato no puede ser más simple: dos tipos en directo interpretando a todo trapo sus temas demoledores, acompañados de guitarras, baterías rudimentarias, panderetas y una energía desbordante. El sonido del disco es el mismo que ha ido acompañando al dúo desde 2002: ingeniosa mezcla de Garaje, Noise, Doo-Woop, Rock cincuentero, Rockabilly, y Soul (Mark Sultan tiene unos registros vocales que en ocasiones nos lo asimilan a gentes como Sam Cook o Big Booper, y ello se refleja en los temas con dejes Soul); si bien la onda más palpable en todo el disco es la del Garage, y es ahí donde encontramos las huellas índelebles de The Sonics, 13th Floor Elevators, Sam the Sham and The Faraons, Stooges, o si queremos irnos a tiempos más cercanos a la Jon Spencer Blues Explosion, con quienes comparten un concepto sonoro más que cercano. Para este último disco, el sonido de algunos temas se ha edulcorado algo, acercándoles a algo así como un Garage-Pop. El sonido del dúo, sin ofrecernos nada absolutamente nuevo, sí que toma de aquí y de allá una serie de elementos por todos conocidos para darles una dimensión un tanto actualizada y desconocida, enérgica y absolutamente arrebatadora. Como decíamos, sus actuaciones en directo parece que son igual de electrizantes que su sonido, y pese a presentarse sólo dos tipos en escena, sus directos merecen la pena. Para conmemorar la salida de su disco, se han embarcado por una extensa gira norteamericana, que seguro que extenderán a Europa, pues Mark Sultan reside con frecuencia en Alemania.
"It's easy to become taken in by opener "Anala", what with Khan's ooh-mow-mows and Sultan's surprisingly sweet croon. The somewhat curious but nevertheless successful title track comes next; eschewing the chug'n'thwomp for which they're both noted in favor of a straightahead shimmer that suggests both the Byrds and the La's, it's a lovingly crafted tune and perhaps a hint at a new direction, only slightly out of step with the other material here. From there, it's throwback time, as Khan and Sultan navigate the divide between Little Anthony and the Seeds. Throughout, it's Sultan's voice that stands out-- particularly on the slow-burning, "Still of the Night"-like "Third Ave."-- among everything, sweet and shape-shifting next to Khan's gruntier style. The Sultan-led tunes tend to be less aggressive than Khan's, which is odd; not for Sultan, who handles himself admirably as a singer and player throughout Invisible Girl, but for Khan, whose does best when he's got a little more space to work with. Among the sharp shocks of "Truth or Dare" or "Lonely Boy", he sounds perfunctory, rushed.
Something you might say about even the best stuff on Invisible Girl. Khan and Sultan move between the trappings of doo-wop to skid rock so fitfully it's easy to miss that some of these tunes aren't all there lyrically. Once the guffaws stop, it can get a little predictable; "Spin the Bottle" contains the phrase "I'm in love with you/ You're in love with me", and just guess what the central line in "I'll Be Loving You" (not two songs later) turns out to be. They're indebted to a period in music that was by and large not its most fertile poetically, but for all their reverence, they're obviously irreverent cats; remember "Tastebuds"? It's just too bad, for every "Animal Party" or ill-fated game of "Spin the Bottle" and well-placed anatomical guffaw there's one too many tunes that just go through the motions, and old ones at that. Still, the tunes on Invisible Girl work, because Khan and Sultan's love of the music they're ripping off is obvious and infectious, and because they've got a knack for capturing the feel of the records they're taking cues from most throwbacks can't quite muster. Sam the Sham would be proud; that is, if he's cool with dick jokes" (pitchfork.com)
"Now, I could tell you about Mark Sultan, I mean, BBQ's past in bands like Les Sexareenos or The Spaceshits. I could tell you about King Khan's pseudo-celebrity in Europe, or his own past in The Spaceshits, or his solo work. But you probably wouldn't give a shit. So let's talk about the real nitty gritty - The King Khan & BBQ Show. First, I must say that these guys are fuckin blood brothers, man. Real tight. They always maintained that they would lay waste to this miserable world. And so they began in 2002. BBQ visiting my man King Khan, and jamming out their black magick in his Nazi-bunker rehearsal space. Songs flowed endlessly like blood from a cancerous abcess. They took it easy, honing their craft, playing sporadically to crowds outraged by their incredible sound and nasty live show. Orgiastic, anarchic, hypnotic and personal are the shows to this day. I've seen the blow-jobs and blood, the pick-ups and puke, the dancing and the laughing. Two guys. One smashing snare, bass drum and tambourine with his bare feet, molesting his guitar and singing like a possessed angel. The other spinning and howling like a freak while belting it out on his guitar like a real gone savage. What does it all sound like? It sounds like five men. People throw the typical suspects into their descriptions as a defense against the real sound: The Velvet Underground, 13th Floor Elevators, Black Flag, The Falcons, Sam Cooke, The Users, The Sonics, The Cramps, Bo, Jerry Lee, The Gonn... Their sound is all of this and more, but all of their own. The show? A mess. Love songs, punkers, improvised riot-starters, dance-floor shakers, sing-along stompers, wild rockers - you name it. They always drench the crowd in raw energy, and they're always the last ones dancing and drinking at the bar. They've toured the US, Europe and South America. They are international antiheroes and ambassadors. After a sold-out 7-week tour of the USA this past autumn, championed heavily by the American media, The King Khan & BBQ Show are ready to conquer Australia, Israel and Europe to make clear what so many music fanatics already know - they are easily one of the top, most highly regarded rock'n'roll bands in the world. They are coming to support Los Angeles' In The Red Records reissue of their 'classic, mind-blowing' debut album, originally released in 2005, as well as a new, instantly sold-out EP on the highly revered Crypt Records. The band is at the top of their game, covered by bands like The Black Lips and Jon Spencer's Heavy Trash and cited as 'one of the best live shows in the world' right now. They are an awesomely surreal site to behold; a stunning garage rock machine of the highest calibre, playing incredible original hits that never end. From youngsters to oldsters alike, their crowds sing along incessantly and let their freak-flags fly in joyous solidarity when The King Khan & BBQ Show hit the stage, clamouring like entranced dervishes to be a part of a growing phenomenon. Give into their spell and live forever" (Nota de su MySpace)

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Sergeant: Counting down the days (from Sergeant, 2009, Shy Recordings)

Otis Redding: Live at The Monterey International Pop Festival

Extracto de la actuación de una de las mejores voces del Soul, el gran Otis Redding, acompañado de sus inseparables Booker T. and The MG´s. Interpretan I´ve been loving you too long, Satisfaction y Try a little tenderness. Como veréis, el carisma de Otis era impresionante, de su forma de actuar y de cantar no hace falta ni hablar. Grande entre los grandes.

Monterey International Pop Festival, Part-5/9

Con la quinta entrega de la retrospectiva al Festival de Monterrey nos encontramos con otro de los platos fuertes del evento: la actuación de los entonces emergentes Jefferson Airplane y la del gran Ottis Redding, con su banda de acompañamiento, Booker T. & The MG´S. Las diferencias de estilo eran evidentes, pero ése era uno de los objetivos que perseguía el festival: la multiculturalidad, ese concepto que hoy en día está tan reivindicado. Hasta tal punto llegó el tema que otro de los artistas invitados al evento fue el maestro del Sitar Rhavi Shankar. Pero lo importante del post de hoy son las actuaciones de Jefferson Airplane, quienes habían editado en febrero de ese mismo año 1967 su segundo álbum, y acaso el mejor: Surrealistic Pillow (1967, RCA):
"Publicado en febrero de 1967, el álbum entró en el ranking de Billboard el 25 de marzo y permaneció allí durante más de un año, llegando hasta el puesto Nº 3. Junto a "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "Forever Changes" de Love, se lo considera, en general, como uno de los álbumes seminales del "Verano del Amor". El nombre de Pastilla Surrealista fue sugerido por el "productor misterioso" del álbum, Jerry Garcia, cuando mencionó que, en su totalidad, el álbum suena "como una pastilla surrealista" Si bien la RCA (la discográfica) no reconoce a Garcia como un contribuidor considerable al álbum como para acreditarlo como "productor", aparece acreditado en el álbum como "asesor espiritual".
Además de poseer dos de los temas más populares de la banda, "White Rabbit" y "somebody to love" -de autoría de Grace Slick-, el álbum contiene "My Best Friend" dirigida al ex-baterista Skip Spencer, "Plastic Fantastic Lover" y la acústica balada compuesta en conjunto entre Kartner y Balin, "Today". Un recordatorio de su primera etapa como músicos folk fue la instrumental "Embryonic Journey" que hace referencia a maestros contemporáneos de la guitarra acústica tales como John Fahey quién ayudó a establecerlo como un género popular. Otro ejemplo es el guitarrista Leo Kottke.
El primer sencillo del álbum, "My Best Friend" no alcanzó buenas posiciones, pero los dos siguientes catapultarían prominentemente a la banda. Ambos "somebody to love" y "White Rabbit" se convirtieron en grandes éxitos en EE.UU. alcanzando los puestos #5 y #8 respectivamente, y a finales de 1967, Jefferson Airplane se convertiría en uno de los grupos más populares, tanto nacional como internacionalmente.
Esta fase de la carrera de la banda llegó a su punto máximo con su famosa actuación en el Monterey Pop Festival en junio de 1967. Monterrey mostró varias de las principales bandas de las "escenas" musicales de Nueva York, San Francisco, Los Ángeles y el Reino Unido, y resultando en una cobertura nacional (e internacional) en televisión y el cine, esto permitio la exposición de grupos que anteriormente habían tenido fama sólo regionalmente. Dos canciones de la banda fueron incluidos en la película de Pennebaker que documentó el evento" (wikipedia.org)
Por otro lado está la actuación de Ottis Redding, quien por primera vez actuaba en un escenario de tan grandes dimensiones y delante de una audiencia tan enorme y predominantemente blanca. Poco después moriría en un accidente de avión.
"Monterey was the first time that soul star Otis Redding performed in front of a large and predominantly white audience in his home country. Redding, backed in his performance by Booker T. & The MG's, was included on the bill through the efforts of promoter Jerry Wexler, who saw the festival as an opportunity to advance Redding's career. Redding's show included his single "Respect" (which had become an even bigger hit for Aretha Franklin just weeks earlier). Although the festival finally gave Redding mainstream attention, it would be one of his last major performances. He died 6 months later in a plane crash at the age of 26" (wikipedia.org)

Disc 5 (Saturday Night 17.06.1967)

JEFFERSON AIRPLANE
1. Somebody To Love
2. The Other Side Of This Life
3. White Rabbit
4. High Flying Bird
5. Today
6. She Has Funny Cars
7. Young Girl Sunday Blues
8. Ballad Of You, Me and Pooneil

BOOKER T AND THE MG’S
9. Booker-Loo
10. Hip Hug-Her
11. Philly Dog w/The Mar-Keys

OTIS REDDING
12. Shake
13. Respect
14. I’ve Been Loving You Too Long
15. Satisfaction
16. Try A Little Tenderness
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Sergeant: Sergeant (2009), Shy Recordings

Alabados por muchos críticos y vapuleados por otros tantos, el cuarteto de Escocia Sergeant se presenta de forma honesta, y tras haberse pateado los escenarios, entre otros teloneando a Oasis -o lo que quede de ellos-, con su Jangle-Pop de siempre, casi sin hacer ruido pero alegrando los oídos de muchos -como nosotros- a los que se nos hace la boca agua con este tipo de maná sonoro que representan las guitarras Jangle, los riffs y las voces armoniosas y cuasi angelicales. Todo ello hablando de forma desprejuiciada de sentimientos de forma sencilla y honesta, algo así a lo que han hecho Teenage Fanclub durante su ya dilatada carrera. Como decíamos, hemos leído críticas tanto positivas, como las de NME, que los considera como la mejor banda surgida de Escocia en los últimos tiempos; como otras más voraces, que los acusan de ser meros plagiadores de sonidos de antaño (Tha La´s, The Coral, The View, Stones and Roses...) además de relacionarles con Alan McGee, denostado parece ser para algunos críticos, y que los ha alabado al igual que hizo con Attic Lights, a quienes les produjo el disco. Bien, hay que quedarse en un término medio. Como concebimos la música es como un continuo ciclo de influencias que continuamente se van re-tomando y actualizando, así que acusar a alguien de forma descarada de plagiadores es algo que hay que analizar con cierto cuidado. Personalmente, considero que Sergeant es una buena banda, que bebe del sonido de gentes como las que hemos citado anteriormente, en especial del sonido de The La´s, Jangle-Pop cristalino y efervescente mezclado con melodías de auténtico caramelo. ¿Pero es que acaso The La´s no se habían inspirado en The Smiths? ¿Y éstos a su vez del sonido del Power-Pop y de la Nueva Ola? Volvernos a plantear la cuestión sería algo absurdo. Disfrutemos, pues, del maravilloso primer álbum de Sergeant, monumento al mejor Pop, desenfadado, vitalista y enérgico. Señalar alguna canción como destacada no es tarea fácil, pues el término medio del disco es de notable alto. Ocurre algo así como con el álbum de debut de The La´s, donde aparecía There she goes como el gran tema, pero es que el resto del álbum era absolutamente sobresaliente, y prácticamente cualquier tema hubiera podido ser single: Sunshine, Swiftly does it, Counting down the days, K-OK, Away with the fairies -que sería el There she goes de Sergeant, mezcla de Jangle-Pop con ciertas melodías de Pavement-, She loves it, What if I never tried... Con el debut de Sergeant, ocurre lo mismo, cualquiera de los ocho primeros temas podría servir como single o como banda sonora de cualquiera de nuestras ajetreadas vidas. Buen disco y buena recomendación para el fin de semana. A disfrutar de ambos!!

"Cascading guitar riffs, gurny vocals, eternally obedient melodies and a tempo that veers from mid-paced to – ooh – a bit faster. All Sergeant are is a second-rate Dodgy; a laughable ’s hiding behind a hail of beige bullets marked ‘dad-rock’ aimed at people for whom blind acceptance counts as a worthy trait. Their meat and potatoes skiffle is probably OK when you’ve had a couple of lines of Steve Cradock’s dandruff, but for anyone who likes a bit of verve it’s about as appealing as trimming your grandad’s nasal hair"(nme.com)
"A four-piece from Glenrothes, Scotland, Sergeant are about to release a debut single – K-Ok – that, in three minutes, manages to connect with everything that is inspiring and uplifting about great pop. Like a lot of great pop, too, it has a lyric that expresses sentiments (here, a swipe at a wannabe hipster) that yank the song in another direction. The band’s music recalls very early Beatles, Aztec Camera, Teenage Fanclub and Oasis, and there is plenty more where that single came from: I Love It Here, It All Comes Back to Me and Sunshine point to a stunning first album (due this autumn), while the singer Nick Mercer has one of those voices that can turn the simplest melody into indie heartache"(timesonline.com)
"Unlike Jol, the four-piece recently hailed by NME as ‘the best new band in Scotland’ have high hopes for the future and after their brief but enjoyable set at the newly refurbished Peter Street venue (do we really need another neon-lit sports bar?) they showed just why.
Mixing sweeping, chiming melodies with bittersweet, wistful lyrics – Sergeant could quite easily take over fellow Scots The View’s mantle in 2008.
Clearly indebted to the music of The La's, The Stone Roses and, at times, The Coral – the band’s sugary sweet ditties were tight and impressively evolved.
And in cherubic, fresh-faced frontman in Nick Mercer, Sergeant has an indie matinee pin-up for girls all over the nation to swoon and coo over.
Whether there is room in a marketplace currently saturated with sun-soaked indie-pop acts in a mute point, but if there is - the charming Sergeant will surely waltz right on in and fill the gap" (manchestereveningnews.com)
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Sergeantmusic.co.uk

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Universo MySpace: Free-State

Lo bueno de tener un espacio en internet es la facilidad de intercomunicación que existe hoy en día con cualquier persona que tenga una mínima inquietud cultural o musical. Está al alcance de un sencillo click que podamos degustar online los temas de una banda que recién comienza o de un músico ya establecido. Podemos visualizar su imagen pinchando en su sección de Fotos o comprobar si tiene algún vídeo. ¿Os acordáis de los tiempos de Radio·3 cuando todos nosotros grabábamos cassettes? Una de las herramientas que ha contribuido a todo este cambio es MySpace, un portal absolutamente vital para cualquier banda que comience o que ya esté establecida. La forma más sencilla y barata de mantener un espacio abierto a cualquier internauta de cualquier lugar del planeta. Y si además se tiene un espacio como The JangleBox, donde gustamos de deleitarnos en oír y saborear más o menos detenidamente cada plato musical que os presentamos, pues el resultado es esta sección que hoy comenzamos y que intentaremos mantener actualizada cada mes con vuestras aportaciones, que dicho sea de paso, cada día son más. Lógicamente, pretendemos que éstas sean cada día más numerosas, y aprovecho para abrir el espacio a cualquier grupo/artista que esté interesado en que su música aparezca por nuestro blog. La línea editorial de The JangleBox ya sabéis cuál es, sólo echándole un vistazo a los posts diarios os hacéis una idea. Podéis mandar vuestras links o colaboraciones a este correo: john.riley2@hotmail.com (que es el mismo que aparece en la columna de la derecha del Blog)
Toda esta parrafada viene a colación de presentar este Universo MySpace, donde intentaremos descubrir bandas que tengan algo que decirnos a nosotros y a todos vosotros. Oficialmente la inauguramos hoy con esta banda británica llamada Free-State (con guión para no confundirnos con otra banda australiana de mismo nombre). El combo lleva desde 2007 luchando por hacerse con un pequeño hueco en la escena musical británica pateándose de gira en gira numerosos escenarios. Tienen abiertas una serie de páginas MySpace por diversos países europeos y os diré que navegan sutilmente entre sonidos más o menos indies pero con cierta tendencia a acercarse al Rock-Adulto en forma de baladas y medios tiempos que sinceramente no creo que sea el material más adecuado para su repertorio. Si por algo los hemos traído aquí (además de su gentil invitación a oírlos y comentarlos) es porque en su MySpace aparecen tres temas que son absolutamente recomendables y que sí merecen la pena aparecer en cualquier single cualquier día de estos. De hecho la banda ya está finalizando sus primeras grabaciones. The Dream es el título de uno de estos temas que nos han gustado: Gran canción que destila influencia de The Charlatans por todos sus poros, hábilmente combinada por unas frases y un solo de guitarra ejecutada de forma precisa. El sonido que aparece en su MySpace es el de una maqueta, y éso le añade un componente de energía y rotundidad que nos ha sorprendido gratamente. El otro gran tema que aparece en la colección es I want you, otra maqueta aún más cruda que la anterior, y otro tema de tendencia más rockista y enérgica, de nuevo con otros teclados la mar de resultones y un trabajo de guitarra más que competente. Para acabar, Sunshine valley es otra canción que combina la frescura de la Americana con el Pop más británico. Insisto en que si ésta es la corriente que van a seguir sus trabajos, les auguramos un futuro al menos prometedor. Sinceramente, la tendencia de los medios tiempos y las baladas tienen más cabida en gentes como Coldplay, y éso ya está más que trillado.
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Amusement Parks on Fire: Una entrevista/An interview

AN IRISH INTERVIEW IN BERLIN
Please note that the influences stated were merely a list of the last bands we'd just seen, in order... And also, one of us missed that plane!
By Aoife Barry
Amusement Parks on Fire is an English band that was formed in 2004, when a then 20 year old Michael (Mike) Feerick started a solo project that was influenced by a love of prog and a teenage interest in noise and grunge. After releasing a self-titled solo debut album on INVADA Records ( run by Geoff Barrow of Portishead) he went on to form a full band so he could start touring. Since then they've released another album, 'Out of the Angeles', three EPs and are working on their third album. And as Aoife Barry found out when talking to Mike and bass player Dan Knowles, they're not too keen on being lumped in with the shoegazer scene.
Interviewing a band when they're trying to find the right tram to get in Prenzlauer Berg in Berlin to ensure they get to the airport on time, while they swig from a bottle of Ros? and recount their recent jaunt backstage at a Radiohead gig, should sound like the stuff of Spinal Tap nightmares. But in the case of Amusement Parks on Fire, the genuine enthusiasm and humour of members Dan and Mike makes for an unusual but unforgettable interviewing experience.
As they make their way out of their apartment to try to find a tram, Mike talks about the recent Radiohead concert which they attended on the night of his birthday, two days before. But next up for Amusement Parks on Fire is the slightly less A-list tour of their own, where along the way they'll be playing Whelan's. It turns out the gigs are a way of getting them out of the rehearsal room and onto the stage, as they've been holed away writing their new album for the past number of months.
"We kind of based [the tour] around the Dublin gig ? we wanted to play abroad, we wanted to play Dublin," explains Mike. "We've been writing for a long time for the new album, so we wanted to do a show just for fun, and do a really good show and just have some fun and just kind of I dunno...what's the phrase, dust ourselves off a bit!" he laughs.
So what can people expect from the gig? "Whelan's is basically the biggest show we're doing on the tour," says Mike. "We just wanted to do it for fun. We're practising a lot and doing a lot of stuff for the new album - we're also really enjoying playing some old songs from our first album which we haven't played for years. So Whelan's should be kind of big, a big show."
He passes the phone to Dan as he attempts to negotiate the direction they should be headed in. Dan elaborates on whether they'll be road-testing some of the new tracks during the tour. "We're thinking maybe half of them new ? we don't want to take the piss, but we want to get some new tracks on there," he says. "Maybe sneak a few in and see how people respond." So how is the making of the new album going? "On the last album...we went with longer tracks and now we're going with shorter ones!" he laughs. "It's very similar ? it sounds kind of similar, it's just maybe half the length for each song. I think we always intended to make 'Out of the Angeles' a pop album, but it sort of grew and they got long, so the new one's gonna be like two/three minute[long] songs hopefully."
The phone's passed back to Mike. "The new stuff's very different," he says, at odds to what his bandmate has just said. "I suppose it's a bit more pop-y, it's kind of a bit more classic sounding ...It was kind of annoying that everyone considered us a shoegazer band...we're not really...I don't really like that sort of music. I guess the new stuff's a bit more live...we've got Ken Thomas producing it, he did the Sigur Ros albums. So he's producing it and it's sounding very different. It's pretty classic sounding and pretty basic."
So who would the band be influenced by? "Radiohead are a big influence, My Bloody Valentine are obviously a big influence ? they weren't initially, when I made the first album they weren't, but now they are a big influence," says Mike. "Neil Young is my hero, he's incredible, his guitar work is incredible. So I guess like Neil Young, Radiohead, Nirvana...I was a massive Pink Floyd fan."
Amusement Parks on Fire are frequently referred to as a shoegazer band, but it seems, from what Mike and Dan say, that this couldn't be further from their intention.
Dan takes up the explanation: "I think people can take it on their own terms. People will always try to define things in ways they understand. So we had a guy come up to us after a gig before and tell us he loved us and we reminded him of the Lost Prophets. We are the least like Lost Prophets band we know! But he likes it, so that was good you know? Whatever terms people like to describe it on, they're just using their own frames of reference and whatever memories they've got to try and make some sense of what we're doing at any given time. So that's fine, you know? If people like it, they like it, and if they don't they don't."
But why the distaste for the shoegazer tag? "I think the reason why the shoegazing thing is annoying is because most shoegazing bands were f*cking bad!" laughs Dan. "They were really bad you know! I mean genuinely, My Bloody Valentine were incredible but I like a lot of the American bands ? I think we're more interested in the American bands that maybe influenced them, or shared some kind of love, like Dinosaur Jr, and Sugar and Bob Mould's stuff, Husker Du...the kind of melody with the fierce guitars."
Mike elaborates: "People think we're some weird, avant garde shoegaze band, but we're really not, we just enjoy playing music. The new album sounds a bit like Neil Young...really kind of stripped bare, that kind of way." This statement will come as a shock to anyone familiar with the band's material, but it looks as though the gig in Whelan's will be a good opportunity to see how their sound has developed, as Mike explains, just seconds before they board the tram that will take them on the first leg of their trip back home. "I guess in Dublin we're just looking to do a really kind of straight down the line set, all the stuff we've wanted to do. We love playing in Dublin, Dublin's always been lovely to us ? we're kind of excited really." (amusementparksonfire.com

Amusement Parks on Fire: Young Fight (Ep, 2009), Pavillion of the Dead

Dotados de las mejores armas de las que una banda shoegazer puede hacerse, Amusement Parks on Fire ha editado este otoño un Ep preludio de su tercer larga duración, que se supone que se editará en Febrero de 2010. El Ep se llama Young fight (Pavillion of the Dead, 2009), y se compone de tres nuevas versiones de temas de Ep´s anteriores, y dos canciones nuevas. Intensidad, rabia no contenida y centenares de kilovatios altamente distorsionados hacen de este Ep un plato más que apetecible para cualquier buen degustador de sonidos shoegazers. Ésto es especialmente palpable en los dos primeros temas: In your eyes, Motown ritual, grandes composiciones que no tienen nada que envidiar a lo mejor del género representado en la época más florida de Ride (Motown ritual tiene un final que es una auténtica sinfonía al Noise más controlado); y en la parte intermedia del último, Of the collapsing light/Alafoss exit, largo tema en la que se mezclan las dos tendencias del disco: la más Shoegaze/Noise y la más Shoegaze/Ambient, que es por donde se mueven los sonidos de los dos temas restantes del disco: The day is snowed y Young fight. La banda de Michael Feerick, aunque no inventa nada nuevo sí que reinterpreta a su manera las reglas de un género musical al que contribuye a expandir. Disco altamente recomendado para los amantes del género, que en este año 2009 hemos estado de enhorabuena al ser muchos y muy variados los exponentes con los que nos hemos ido encontrando a lo largo del curso musical.
"As a disciple of the teaching that all things connected with Kevin Shields were gold-plated, rose-crested spots of honey-dripped sounds that descended straight outta heaven rather than NG3, Mike Feerick set himself a seemingly unachievable mission.
From the confines of his bedroom, his ambition was to create a piece of timeless, genre redefining multi-layered genius that would be talked about for years to come. What he actually achieved was not the inaugural idea of a lone piece, but instead nine adventures in sound that merely wipes the floor with every seismic pretender who’s ever tried to work out the lyrics to ‘Soon’ and recreate every chord sequence found on ‘Isn’t Anything’.
And let us not forget the fact that Mike Feerick, aka Amusement Parks On Fire, was just 16 years old when he started writing, playing every instrument on and recording this album, a feat that surely falls somewhere in between the guises of astonishing'_ and 'remarkable'_. Now three years down the line, his masterpiece is complete, oh yes. As with the live shows, Feerick has called upon various associates from within the Nottingham music scene to fill in the cracks so to speak, but largely this record is down to him, and him alone.
For anyone who’s seen APOF live, this record mainly consists of the key elements of those sporadic, indefinably LOUD performances, interspersed with a couple of almost classical interludes that reinforce the genius-in-a-bottle waiting to be unleashed (...)
No doubt there will be the odd cynic who will claim to have heard this type of record done before, and to a degree they may have a point, but I doubt anyone’s ears can claim to have received such a melange that is equal measures sonic battery and aural beauty as ‘Amusement Parks On Fire’ in recent times. Quite simply, this is a stunning debut record, a triumphant fanfare that heralds the arrival of yet another precocious young talent onto the UK’s ever-burgeoning music scene" (pitchfork.com)
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Moby Grape: Omaha / 8:05 (Live at the Mike Douglas Show)

Como no he encontrado ningún vídeo de Moby Grape actuando en Monterrey, os adjunto éste en el que aparecen interpretando en vivo Omaha y 8:05, dos de los temas incluidos en su primer álbum, (Moby Grape, 1967, Columbia). Lo cierto es que Moby Grape pasa por ser uno de los grandes grupos de mediados-finales de los sesenta en la escena norteamericana y a la vez por uno de los más olvidados, debido a la campaña sobredimensionada de marketing a la que el disco fue sometido, lo que dio la sensación en el público y en la crítica de que se trataba de un grupo de laboratorio, como se decía entonces, o de un mero hype, como se dice hoy en día. Prometemos dedicarle un post cuando acabemos con la serie de Monterrey. Por lo pronto, disfrutad de su vídeo.

Monterey International Pop Festival, Part-4/9

Para la cuarta entrega dedicada al Festival Internacional de Monterrey, hemos de hacer una breve reseña para hablar de uno de nuestros grupos favoritos de siempre: The Byrds, quienes realizaron una de sus últimas actuaciones contando con sus miembros originales, si bien Gene Clark ya había abandonado la formación. Pues bien, viendo el concierto uno llega a darse cuenta del porqué de ese despido; el ego de Crosby había llegado a un punto tan insoportable, que fue necesario prescindir de él para que la banda continuase funcionando. Este deseo de protagonismo no sólo se refleja en el concierto de The Byrds, donde en todo momento toma la voz cantante en los intervalos entre canción y canción, adueñándose de un protagonismo dentro de la banda que en ningún momento tuvo un papel mayor que el de mero guitarrista de acompañamiento (bastante mediocre) y el de co-autor de algunos temas. Hasta tal punto llegó su megalomanía que llegó a actuar incluso con Buffalo Springfield, para suplir a Neil Young. No pasó mucho tiempo hasta que el resto de la banda decidiera prescindir de sus servicios, y aunque participó en las sesiones de The Notorious Byrd Brothers, su siguiente álbum, y uno de los mejores de la banda, en su portada no apareció ya su imagen, sino la de un caballo (¿quedó algún resquemor entre el resto de componentes?) Como curiosidad os diré que en el concierto fue una de las pocas ocasiones en que se vio a McGuinn con una guitarra eléctrica que no fuera una Rickenbacker, concretamente con una Gibson interpretando Hey Joe. Os acompaño un vídeo de uno de los temas que mejor les quedó en el festival: He was a friend of mine y de otro de Have you seen her face.
Otro de los grupos interesantes que actuó en el festival fue Moby Grape, una gran banda relegada casi al olvido pues sólo llegaron a editar dos discos, el segundo de ellos bastante mediocre, si bien el primero podría pasar por ser uno de los mejores esfuerzos en aunar Folk y Pop, tras la brillante carrera de los Byrds de Roger McGuinn. Completan el disco las actuaciones de Laura Nyro y Hugh Masakela.

Disc 4 (Saturday Night 17.06.1967)

MOBY GRAPE
1. Tommy Smothers introduction
2. Indifference
3. Mr. Blues
4. Sittin’ By The Window
5. Omaha

HUGH MASEKELA
6. Bajabula Bonke (Healing Song)

THE BYRDS
7. Renaissance Fair
8. Have You Ever Seen Her Face
9. Hey Joe
10. He Was A Friend Of Mine
11. Lady Friend
12. Chimes Of Freedom
13. So You Wanna Be A Rock ‘N’ Roll Starn

LAURA NYRO
14. Today
15. Wedding Song
16. Poverty Train
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The Scotland Yard Gospell Choir: And the horse you rode in on (2009), Bloodshot Records

Si he de ser sincero os diré que me interesé por este grupo porque el nombre me hizo mucha gracia. Bueno, éso y porque leí las etiquetas que aparecían en el post de algún blog y leí Indie, Pop, Alternative, Twee. No conocía de nada a este grupo de Chicago, pero la descripción no podía ser más acertada. Yo acaso añadiría algún rasgo de Pop-Folk (Something´s happening, Ogilvie station), al estilo de muchas bandas escocesas o de Gales, que es de donde provienen las raíces de Elia Einhorn, líder de SYGC, y con cuyos sonidos podríamos confundirlos perfectamente y pensar que aquél es su origen. El concepto sonoro lo tenemos más o menos claro, ahora nos interesaría su concepto lírico, y es que los textos de Elia tienen mucho de literario y costumbrista, algo semejante al concepto de la música que tienen The Shins. Por lo demás, su voz tiene un deje tremendamente parecido al de Jarvis Cocker, con quien seguramente podrías confundirlo si no te explican previamente de quién se trata; pero es que además muchas de sus canciones comparten un parecido más que razonable, tanto por su tratamiento sonoro como por la forma de cantar o su temática (Stop!, One night stand, I pretend she´s you, Hope is still on your side, Libertybille or somewhere). Demasiados parecidos para nuestro gusto, que nos quedamos con otros temas en los que no aparece la voz de Elia sino la de Mary Ralph: Sixteen is too young y Praying is a heartache. La primera es un medio tiempo precioso acústico con acompañamiento de violines y teclados y con una línea de bajo que nos recuerda a los tiempos del primer Lou Reed en solitario. La segunda es otra belleza de tema, de aires acústicos y folkies, acompañados de cellos y violines y cantada a dúo. Hay que decir que los últimos cortes también suponen un cierto cambio en el rumbo del disco, derivando hacia un hedonismo más descarado (And the horse you rode in on, Tear down the opera house), particularmente este último parece enteramente sacado del repertorio de The Housemartins.
Disco de variados registros, desde el más intimista hasta el más popero y costumbrista o al descaradamente divertido, en el que seguro que podrás encontrar algún tema que te guste si eres buen aficinado al Pop.
Por cierto, a finales de septiembre la banda sufrió un desgraciado accidente de furgoneta en el que la mayoría de sus miembros salieron con heridas de cierta gravedad. Sabido es cómo funciona el sistema sanitario y los seguros médicos en Estados Unidos, por lo que el grupo está seriamente necesitado de ayuda económica para poder sufragar los gastos médicos y materiales. El día 30 tiene lugar en su Chicago natal un concierto de ayuda, y también puedes colaborar con un Paypal leyendo aquí.
"Chicago-based chamber pop collective The Scotland Yard Gospel Choir aren’t your typical debauched rock stars reveling in a pastiche of self-destructive clichés. Leading a band that’s shared the stage with both the Arcade Fire and Ira Glass, Spoon and Dave Eggers, it’s clear that lead singer, guitarist, and keyboard player Elia and his scrappy group are comfortable straddling the divide between the debased rock ‘n’ roll world and the high-minded literati. As it turns out, both shoes fit. Not content with merely performing with some of the most notable names in independent music, the band has explored their connections with the literary and theatrical worlds, performing with Eggers, DeRogatis, This American Life’s Glass, author Joe Meno, and Saturday Night Live regular Fred Armisen.
With Welsh-born Elia as the ringleader, The Scotland Yard Gospel Choir is a free-spirited collective of musical visionaries who turn out exuberant and rough-hewn chamber pop. Among the talent that performs and/or records with the Choir includes core players like bassist and recording engineer Mark Yoshizumi, guitarist and vocalist Mary Ralph, drummer Jay Santana, violin player Ethan Adelsman, keyboardist Alison Hinderliter (Le Concorde), and a brass section made up of Sam Johnson (Mucca Pazza, Hawk & a Hacksaw) and Matt Priest (Canasta). The extended Scotland Yard family is comprised of a who’s-who of the Chicago underground music community, boasting the likes of cellist / vocalist Ellen O’Hayer (Bright Eyes); Sally Timms, Nora O’Connor and Kelly Hogan, who sing backup on the self-titled album; and Nate Walcott (Bright Eyes, Rilo Kiley), and Brett Whitacre (Th’ Legendary Shack Shakers).
In a few short years, The Scotland Yard Gospel Choir has become one of the Chicago indie music scene’s best-kept secrets, with Chicago Sun-Times critic Jim DeRogatis opining upon "Jennie That Cries," the single from the band’s debut i bet you say that to all the boys, "[is] a beautiful, lulling single, with special emphasis on the gorgeous vocals.” The band's music has served as a backdrop to many television shows, including The OC, What About Brian and the movie Special, and their self-released debut received attention from Time Out NY, Billboard, and Popmatters" (bloodshotrecords.com)
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Cómpralo/Get it